El cine está de luto: murió el director argentino Adolfo Aristarain a los 82 años. El reconocido realizador, una de las figuras más influyentes del cine en español, falleció este domingo, dejando una marca profunda tanto en Argentina como en España, donde desarrolló gran parte de su carrera.

Sus películas se caracterizaron por combinar elementos del policial y el drama, con un fuerte trasfondo político y ético. Entre sus obras más destacadas se encuentran Tiempo de revancha (1981), Un lugar en el mundo (1992) y Martín (Hache) (1997), con elencos de primer nivel que incluyeron a figuras como Federico Luppi, Cecilia Roth y José Sacristán.

Antes de convertirse en director, Aristarain trabajó como asistente en más de 30 películas, incluyendo la icónica Érase una vez en el Oeste, dirigida por Sergio Leone. Su carrera se consolidó en Europa, donde recibió en 2024 la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España en reconocimiento a su trayectoria.

Uno de sus mayores logros fue con Un lugar en el mundo, que obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y el premio Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, consolidándolo como un referente indiscutido del cine iberoamericano.

“Super Mario Galaxy: la película” se mantuvo por segunda semana consecutiva como la película más vista en los cines argentinos, al reunir 159.425 espectadores entre el jueves 9 y el domingo 12 de abril.

De acuerdo con los datos difundidos por la consultora Ultracine, durante ese mismo período las salas del país vendieron un total de 327.934 entradas, con una clara ventaja para la producción animada, que volvió a ubicarse en lo más alto del ranking semanal.

En el segundo puesto apareció “El drama”, uno de los estrenos más destacados de la cartelera, protagonizado por Zendaya y Robert Pattinson, que logró convocar a 50.852 asistentes en su primer fin de semana.

El tercer lugar fue para “Proyecto Fin del mundo”, que descendió una posición, aunque sumó 39.002 entradas y se mantuvo dentro del podio de la taquilla nacional.

La cartelera también mostró movimiento con el ingreso de otros lanzamientos. El musical “BTS World Tour Arirang in Goyang: Live Viewing” se ubicó en el quinto puesto con 11.989 espectadores.

Más abajo, en la séptima posición, quedó la película de terror “911: Llamada infernal”, con 6.223 entradas vendidas. Por su parte, la producción argentina “La casaca de Dios” se colocó en el octavo lugar, al reunir 4.377 asistentes.

Completando el listado, la comedia española “Torrente Presidente”, sexta entrega de la saga encabezada por Santiago Segura, debutó en la décima posición con 4.061 tickets cortados. Con estos números, “Super Mario Galaxy: la película” reafirmó su buen momento en la taquilla local y volvió a imponerse en un fin de semana en el que los estrenos también lograron renovar parte del ranking.

Marilyn Monroe sigue siendo un ícono inquebrantable, y su centenario se celebra en el Reino Unido con una serie de exposiciones y ciclos de cine que ponen en valor su trabajo como creadora de su propia imagen y su impacto como artista en una industria dominada por hombres.

Desde el 1 de junio, el British Film Institute (BFI) y la National Portrait Gallery han lanzado una profunda revisión de su figura. El BFI dedica una temporada completa a "El verano de Marilyn", con funciones especiales de títulos emblemáticos como “Los caballeros las prefieren rubias”, “Cómo casarse con un millonario” y “Los inadaptados”. Esta programación busca mostrar su versatilidad interpretativa, tanto en comedia como en drama, y reconocer su rol como innovadora en el cine de la época.

Kimberley Sheehan, programadora principal del BFI, destacó que esta celebración permite redescubrir la presencia arrolladora de Monroe y resalta su capacidad para forjar una imagen personal que iba más allá del mito. Monroe, según Sheehan, fue “la artista completa por excelencia”, capaz de reivindicar su propio estrellato y la libertad creativa que logró con la fundación de su propia productora en una época compleja para las mujeres en Hollywood.

Paralelamente, la National Portrait Gallery presenta la exposición "Marilyn Monroe: Un retrato", que explora cómo la actriz se convirtió en un ícono visual. A través de obras de artistas como Andy Warhol, Pauline Boty, y Richard Avedon, la muestra revela cómo Monroe no solo fue fotografiada, sino que también dirigía activamente las sesiones y tenía poder de veto sobre las imágenes que no representaban su visión. Esta autonomía supuso una innovación en la historia de la representación femenina y el control de la imagen pública en Hollywood.

Monroe, nacida como Norma Jeane el 1 de junio de 1926, no solo fue una modelo exitosa, sino que se transformó en una de las figuras más fotografiadas del siglo XX, forjando un sello visual que continúa vigente hoy. Su influencia artística también es reflejada en la forma en que ha sido comparada con artistas contemporáneas como Taylor Swift y Madonna, quienes, como Monroe, han sabido gestionar su imagen a lo largo de sus carreras.

El centenario de Monroe, más que una conmemoración, es una reivindicación del papel de las mujeres en la industria del cine y las artes visuales, destacando su legado como pionera y creadora multifacética. Aunque la industria haya avanzado, Sheehan subraya que todavía queda camino por recorrer para que las artistas reciban reconocimiento en igualdad de condiciones.

Con esta celebración, tanto el BFI como la National Portrait Gallery reafirman el legado de Marilyn Monroe, invitando a nuevas generaciones a repensar el papel de la mujer como creadora dentro del cine y el arte contemporáneo.

El Gobierno nacional oficializó una profunda modificación en el sistema de calificación de películas cinematográficas que regía desde hace más de cuatro décadas. A través del Decreto 50/2026, publicado este martes en el Boletín Oficial, se derogó el Decreto 828/84 y se disolvió la Comisión Asesora de Exhibiciones Cinematográficas.

La norma, firmada por el presidente Javier Milei y el ministro Manuel Adorni, reglamenta la Ley 23.052 y apunta a simplificar los procedimientos administrativos vinculados a la exhibición de películas, en línea con los cambios culturales y tecnológicos del sector audiovisual.

Con el nuevo esquema, la responsabilidad de clasificar los filmes —ATP, +13, +16 o +18— quedará exclusivamente en manos del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), que asumirá la competencia técnica sin intervención de órganos colegiados.

Desde el Ejecutivo sostienen que la comisión eliminada no resultaba eficiente y que su funcionamiento generaba demoras innecesarias. En ese sentido, el decreto remarca que el rol del Estado será orientativo y que la supervisión del consumo de contenidos por parte de menores corresponde principalmente a padres y tutores.

Otro de los cambios relevantes es la homologación automática de las calificaciones extranjeras. Dado que una mayoría de los estrenos proviene de Estados Unidos, se reconocerán las clasificaciones otorgadas en el país de origen, aunque el INCAA podrá modificarlas de oficio si existieran razones de orden público.

La nueva normativa entrará en vigencia dentro de 60 días corridos.

Marvel Studios lanzó un nuevo tráiler de Avengers: Doomsday que puso a Thor en el centro de la escena y conmovió a los fanáticos. Lejos de la acción desbordante, el avance propone un tono íntimo y emocional, con el dios del trueno atravesando un conflicto profundamente humano.

En una escena clave, Thor aparece arrodillado en un bosque, sin armadura ni martillo, implorando fuerzas a Odin para proteger a Love, su hija. La secuencia marca un cambio de registro para el personaje y anticipa una narrativa donde el sacrificio y la familia serán motores del relato.

El tráiler muestra a un Thor vulnerable, que prioriza el cuidado de su hija por sobre la batalla. La cámara se detiene en gestos mínimos: una promesa, un beso en la frente, una despedida cargada de incertidumbre. Marvel apuesta a la emoción como puerta de entrada a la épica que llegará después.

El film tiene estreno previsto para diciembre de 2026 y busca renovar el ADN del Universo Marvel combinando drama familiar con un conflicto de escala multiversal.

Love es interpretada por India Hemsworth, hija de Chris Hemsworth, lo que potencia la autenticidad del vínculo en pantalla. El personaje debutó en Thor: Love and Thunder (2022), cuando fue resucitada por Gorr y confiada a Thor.En Doomsday, esa relación crece y se profundiza, con un peso emocional que atraviesa toda la historia.

Avengers: Doomsday reunirá uno de los elencos más grandes de Marvel. Junto a Hemsworth regresan figuras como Chris Evans, Tom Hiddleston, Paul Rudd, Anthony Mackie, Letitia Wright, Simu Liu y Sebastian Stan.

Además, se integran los Cuatro Fantásticos, los Thunderbolts y un regreso que sorprendió a todos: íconos de los X-Men como Patrick Stewart, Ian McKellen, Kelsey Grammer, James Marsden y Channing Tatum.

El gran antagonista será Doctor Doom, interpretado —en un giro impactante— por Robert Downey Jr..

El adelanto refuerza una idea clara: la batalla también es emocional. Al igual que el tráiler centrado en Capitán América, Doomsday prioriza la vulnerabilidad, la fe y la redención por encima del espectáculo puro.

Marvel confía en que este nuevo enfoque narrativo renueve la conexión con el público y eleve el clímax épico a partir del drama familiar.

El reconocido actor argentino Jorge Lorenzo falleció a los 67 años, dejando una extensa trayectoria en cine, teatro y televisión. La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores, que expresó su pesar y acompañamiento a familiares y allegados. Aunque no se informaron las causas del deceso, su partida generó un profundo impacto en el ámbito artístico nacional.

Nacido el 23 de diciembre de 1958, Jorge Daniel Lorenzo fue un intérprete con una sólida formación y un compromiso constante con la cultura. Su carrera se extendió por más de cuatro décadas y abarcó trabajos destacados en producciones televisivas que marcaron distintas generaciones.

Entre sus papeles más recordados se encuentra el del guardiacárcel Mario Capece en El marginal, personaje que lo acercó nuevamente al gran público y que consolidó su prestigio actoral. También formó parte de En el barro, Casi Ángeles, ATAV 2, Soy gitano, 099 Central, El jardín de bronce y Somos familia, entre otras producciones.

La Asociación Argentina de Actores resaltó su militancia dentro del sindicato y su participación en actividades en defensa de los derechos de los trabajadores de la cultura, reconociendo su compromiso con la profesión y su ejemplo de dedicación.

Además de su extensa labor en televisión, Jorge Lorenzo tuvo una presencia constante en el cine argentino. Participó en filmes como La herida, Miénteme, La larga noche de Francisco Sanctis, Cargo de conciencia, Hermanas y La Rosales. Su versatilidad le permitió encarnar personajes de distintas épocas y registros, manteniendo siempre una fuerte conexión con el realismo interpretativo.

En teatro, su nombre fue sinónimo de entrega y vocación. Actuó en obras emblemáticas como Potestad, Las de Barranco, Bodas de sangre, El caballero de las espuelas de oro, Doña Flor y sus dos maridos, El diluvio que viene y Acaloradas. También incursionó en el teatro independiente, donde se destacó en montajes como Cámara lenta, Ciervo Pie Blanco y Las paredes.

Su vínculo con el público infantil lo llevó a escribir, adaptar y dirigir piezas como ¿Qué pasa, Nuria?, Los paseítos de Manuela y Miguel y Pescadores de caramelos, combinando su talento actoral con una mirada educativa y creativa.

Antes de dedicarse plenamente a la actuación, Lorenzo estudió Ingeniería Aeronáutica y cursó locución, pero finalmente eligió el camino del arte. Ingresó a la Escuela de Arte Dramático, impulsado por una maestra que reconoció su potencial desde la infancia.

Su vida personal estuvo marcada por la superación: debió afrontar dificultades económicas y de salud familiar mientras consolidaba su carrera. Su imagen —particularmente su calvicie temprana— se convirtió en su sello distintivo, alejándolo de los roles juveniles y acercándolo a personajes de mayor intensidad dramática.

El papel de Capece en El marginal marcó un punto de inflexión en su trayectoria, no solo por la popularidad de la serie, sino por la profundidad con que interpretó al personaje. Su presencia escénica y su mirada fueron determinantes para el éxito del rol.

A lo largo de su carrera, Jorge Lorenzo combinó la actuación con la docencia y la militancia cultural. Su legado permanece en la memoria colectiva de colegas, espectadores y estudiantes que lo vieron como un ejemplo de pasión y entrega.

El Litoral

Tras grabar juntos la nueva película "La Pistola Desnuda", donde interpretan una pareja, el medio internacional People asegura que Pamela Anderson y Liam Neeson ​iniciaron un romance. 

Desde la página oficial del medio confirmaron que hablaron con una fuente cercana a la flamante pareja quien les contó: "Es un romance en ciernes. Es sincero y está claro que están enamorados el uno del otro".

Pero eso no fue todo, ya que People también reveló que Pamela Anderson y Liam Neeson están "disfrutando de la compañía mutua". En la alfombra roja de "La pistola desnuda" ambos posaron juntos y compartieron sonrisas y miradas cómplices.

Liam Neeson interpreta a Frank Drebin Jr., el hijo del personaje de Leslie Nielsen en Naked Gun/Police Squad!, que sigue los pasos de su padre. Akiva Schaffer dirige la película y Seth MacFarlane la produce. La película se estrenará en los cines el 1 de agosto.

El reparto incluye a Pamela Anderson, Paul Walter Hauser (en el papel del hijo del capitán Ed Hocken, interpretado por George Kennedy en The Naked Gun), CCH Pounder, Kevin Durand, Cody Rhodes, Liza Koshy y Eddie Yu, junto a Danny Huston.

Una encuesta realizada por el diario The New York Times, en colaboración con The Upshot, reunió la voz de más de 500 referentes del mundo del cine para determinar cuáles son las películas más influyentes del siglo XXI. Participaron directores, actores, guionistas, críticos y otros profesionales de la industria, quienes votaron por los diez títulos que consideran más significativos desde el año 2000.

Entre los encuestados se destacan nombres como Pedro Almodóvar, Sofia Coppola, Barry Jenkins, Guillermo del Toro, Julianne Moore, Chiwetel Ejiofor y Emma Stone, entre muchos otros. El resultado es un listado que refleja no sólo el gusto de la crítica y los premios, sino también el impacto cultural, artístico y temático de las películas seleccionadas.

La número uno de la lista fue Parásitos (2019), del director surcoreano Bong Joon Ho, que marcó un hito al ganar el Oscar a mejor película y demostrar la potencia global del cine asiático. Le siguen Mulholland Drive (2001) de David Lynch y Petróleo sangriento (2007) de Paul Thomas Anderson, obras aclamadas por su lenguaje visual y su riesgo narrativo.

El ranking celebra además la diversidad geográfica y temática del cine contemporáneo. Películas como Deseando amar (2001), El viaje de Chihiro (2002), Zona de interés (2023), Luz de Luna (2016) y Get Out (2017) destacan por abordar temas como la identidad cultural, el racismo, la opresión o el deseo, desde miradas autorales o innovadoras.

También figuran largometrajes taquilleros como Batman: El caballero de la noche, Pantera Negra o El lobo de Wall Street, que lograron combinar impacto comercial con una fuerte presencia estética. La animación y el documental tienen su lugar, con películas como Wall-E, Up, Ratatouille, Grizzly Man y The Act of Killing entre las seleccionadas.

La presencia de títulos como Roma, 12 años de esclavitud, Boyhood, Her, Amélie y Ciudad de Dios da cuenta de una sensibilidad artística que abarca tanto producciones independientes como megaproducciones. También se reconoce el aporte de directoras como Greta Gerwig, Céline Sciamma, Charlotte Wells, Kathryn Bigelow y Andrea Arnold.

Parásitos (2019), Bong Joon Ho

Mulholland Drive (2001), David Lynch

Petróleo sangriento (2007), Paul Thomas Anderson

Deseando amar (2001), Wong Kar-Wai

Luz de Luna (2016), Barry Jenkins

No Country for Old Men (2007), Ethan y Joel Coen

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004), Michel Gondry

Get Out (2017), Jordan Peele

El viaje de Chihiro (2002), Hayao Miyazaki

La red social (2010), David Fincher

Mad Max: Fury Road (2015), George Miller

Zona de interés (2023), Jonathan Glazer

Niños del hombre (2006), Alfonso Cuarón

Bastardos sin gloria (2009), Quentin Tarantino

Ciudad de Dios (2003), Fernando Meirelles

El tigre y el dragón (2000), Ang Lee

Secreto en la montaña (2005), Ang Lee

Y tu mamá también (2002), Alfonso Cuarón

Zodiac (2007), David Fincher

El lobo de Wall Street (2013), Martin Scorsese

Los excéntricos Tenenbaums (2001), Wes Anderson

El Gran Hotel Budapest (2014), Wes Anderson

Boyhood (2014), Richard Linklater

Her (2013), Spike Jonze

El hilo fantasma (2017), Paul Thomas Anderson

Anatomía de una caída (2023), Justine Triet

El ladrón de orquídeas (2002), Spike Jonze

Batman: El caballero de la noche (2008), Christopher Nolan

La llegada (2016), Denis Villeneuve

Perdidos en Tokio (2003), Sofia Coppola

Los infiltrados (2006), Martin Scorsese

Damas en guerra (2011), Paul Feig

Una separación (2011), Asghar Farhadi

Wall-E (2008), Andrew Stanton

Un profeta (2010), Jacques Audiard

Un hombre serio (2009), Ethan y Joel Coen

Llámame por tu nombre (2017), Luca Guadagnino

Retrato de una mujer en llamas (2019), Céline Sciamma

Lady Bird (2017), Greta Gerwig

Yi Yi (2000), Edward Yang

Amélie (2001), Jean-Pierre Jeunet

The Master (2012), Paul Thomas Anderson

Oldboy (2005), Park Chan-wook

Érase una vez en… Hollywood (2019), Quentin Tarantino

Moneyball (2011), Bennett Miller

Roma (2018), Alfonso Cuarón

Casi famosos (2000), Cameron Crowe

La vida de los otros (2007), Florian Henckel von Donnersmarck

Antes del atardecer (2004), Richard Linklater

Up (2009), Pete Docter

12 años de esclavitud (2013), Steve McQueen

La favorita (2018), Yorgos Lanthimos

Borat (2006), Larry Charles

El laberinto del fauno (2006), Guillermo del Toro

El origen (2010), Christopher Nolan

Embriagado de amor (2002), Paul Thomas Anderson

Best in Show (2000), Christopher Guest

Diamantes en bruto (2019), Benny y Josh Safdie

Toni Erdmann (2016), Maren Ade

Whiplash (2014), Damien Chazelle

Kill Bill: Vol. 1 (2003), Quentin Tarantino

Memento (2001), Christopher Nolan

Pequeña Miss Sunshine (2006), Jonathan Dayton y Valerie Faris

Perdida (2014), David Fincher

Oppenheimer (2023), Christopher Nolan

En primera plana (2015), Tom McCarthy

Tár (2022), Todd Field

The Hurt Locker (2009), Kathryn Bigelow

Under the Skin (2014), Jonathan Glazer

Déjame entrar (2008), Tomas Alfredson

La gran estafa (2001), Steven Soderbergh

Carol (2015), Todd Haynes

Ratatouille (2007), Brad Bird

El Proyecto Florida (2017), Sean Baker

Amor (2012), Michael Haneke

¿Dónde estás, hermano? (2000), Ethan y Joel Coen

Todo en todas partes al mismo tiempo (2022), Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Aftersun (2022), Charlotte Wells

El árbol de la vida (2011), Terrence Malick

Volver (2006), Pedro Almodóvar

El cisne negro (2010), Darren Aronofsky

The Act of Killing (2013), Joshua Oppenheimer

Inside Llewyn Davis (2013), Ethan y Joel Coen

Melancolía (2011), Lars von Trier

El reportero: La leyenda de Ron Burgundy (2004), Adam McKay

Vidas pasadas (2023), Celine Song

El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001), Peter Jackson

Los espigadores y la espigadora (2001), Agnès Varda

Interestelar (2014), Christopher Nolan

Frances Ha (2013), Noah Baumbach

Fish Tank (2010), Andrea Arnold

Gladiador (2000), Ridley Scott

Michael Clayton (2007), Tony Gilroy

Minority Report (2002), Steven Spielberg

La peor persona del mundo (2021), Joachim Trier

Pantera Negra (2018), Ryan Coogler

Gravedad (2013), Alfonso Cuarón

Grizzly Man (2005), Werner Herzog

Memories of Murder (2005), Bong Joon Ho

Superbad (2007), Greg Mottola

NewsWeek Argentina

El presidente de Estados Unidos, Donald Trump, anunció este domingo que autorizará al Departamento de Comercio y a la Oficina del Representante de Comercio a aplicar un arancel del 100% a todas las películas extranjeras que ingresen al país, como medida para proteger a la industria cinematográfica local, que —según dijo— está “muriendo muy rápidamente”.

“Hollywood, y muchas otras áreas dentro de los EE.UU., están siendo devastadas”, afirmó el mandatario a través de su cuenta oficial en la red Truth Social, en un posteo que generó alto impacto en redes.

Trump calificó la situación como una “amenaza a la seguridad nacional”, al sostener que otros países están ofreciendo incentivos para atraer a los estudios y cineastas estadounidenses. Además, consideró que la competencia desleal representa también un riesgo en términos de “mensajes y propaganda”.

“Por lo tanto, estoy autorizando al Departamento de Comercio y al Representante de Comercio de los Estados Unidos a comenzar inmediatamente el proceso para instituir un arancel del 100% sobre cualquier película que entre en nuestro país y haya sido producida en tierras extranjeras”, escribió el jefe de Estado.

Finalmente, concluyó con una consigna ya característica de su retórica de campaña: “¡Queremos películas hechas en América, otra vez!”.

Saliendo del cine en 2015, cuando fuimos a ver Fury Road, totalmente maravillados por lo que acabábamos de ver, buscamos en internet algo que nos cuente que iba a pasar con la franquicia. Enseguida, nos enteramos de que estaba en desarrollo un spin-off/precuela donde la Imperator Furiosa, teniente del tirano Immortan Joe, y (según quién les está escribiendo ahora) mejor personaje de acción femenino de la década, lo que nos iluminó la cara y nos dio muchísima fe, ya que George Miller, el director de la saga entera seguía involucrado.

Hoy, 9 años después, puedo decir que la chispa no se perdió, que no solo es una secuela disfrutable, sino que es fantástico como se permite agrandar el mundo y contarnos cosas que por un buen tiempo solo podríamos leer y ubicar en los spin-offs de los comics que salieron post-Fury Road.

Furiosa nos transporta de nuevo al desierto implacable del mundo de Mad Max, con Anya Taylor-Joy tomando las riendas como una joven Furiosa, (que de paso, actuación que le valió una ovación de 7 minutos en Cannes) y Chris Hemsworth en papel de Dementus, un dictador cuasi-comédico pero con tintes oscurísimos que hacen sentir el personaje como si fuese un chiste muy oscuro del cual te reís un par de veces y después te deja con culpa por no saber si la verdad estaba bien de reirse de eso.

La película arranca con Alyla Browne como una pequeña Furiosa, siendo arrancada de su hogar, y de ahí, nos sumerge en un frenesí de nafta y balas que no le dan tregua al espectador, dejándolo al borde del asiento hasta el momento final, pasando con secuencias de persecución que te dejan sin aliento, como la que muestra a Furiosa y al Praetorian Jack (interpretado por Tom Burke) en una peligrosa misión para encontrar un supuesto paraíso siguiendo un mapa tatuado en su brazo. Comentario aparte, la química entre ambos personajes es palpable, como si estuvieran destinados a ser los Bonnie y Clyde del apocalipsis.

Chris Hemsworth se luce como el villano, un personaje que mezcla el carisma de un político con la brutalidad de un dictador. Aunque su look con peluca y nariz postiza pueda parecer ridículo al principio, Hemsworth logra convertir a Dementus en un antagonista memorable, lleno de frases pegajosas y una presencia física imponente al punto de dar vibras a una mezcla entre Thor, un líder sectario y un emperador romano.

George Miller, a sus 78 años, sigue demostrando que es el maestro del cine de acción. La película está repleta de escenas de acción que te dejan al borde del asiento, con acrobacias y efectos especiales que son un festín visual. Sin embargo, algunos críticos señalan que el exceso de CGI hace extrañar un poco los efectos prácticos que hicieron de "Fury Road" una obra maestra. Es como calentar un plato de sorrentinos del mediodía en el microondas: sigue siendo rico, pero no exactamente lo mismo. Y ojo, eso está bien! No necesariamente tiene que ser lo mismo.

En términos de narrativa, Furiosa profundiza en temas como la esperanza y la búsqueda de un hogar en un mundo devastado. La historia, aunque a veces puede sentirse sobrecargada de metáforas, logra mantener el interés con personajes complejos y relaciones genuinas. La construcción del mundo de Miller se siente pensada y auténtica, como si realmente estuviéramos viendo una civilización que intenta resurgir de las cenizas.

Pero no todo es seriedad y drama en Furiosa. Hay momentos de humor negro y personajes extravagantes que añaden un toque de ligereza a la trama. Por ejemplo, el personaje "Piss Boy" es mencionado varias veces como un alivio cómico en medio de tanta acción. Es como encontrar un payaso en un funeral, inesperado pero bienvenido.

La música, compuesta por Tom Holkenborg (más conocido como Junkie XL), acompaña perfectamente la acción frenética, con una banda sonora que mezcla ritmos tribales con electrónica industrial. Simon Duggan, en la cinematografía, aunque no alcanza las alturas de su predecesor John Seale, logra capturar la desolación y la belleza brutal del desierto, creando imágenes que se quedarán grabadas en tu mente.

En cuanto a las opiniones divididas por la crítica, sólo se menciona que aunque la película tiene momentos impresionantes, no alcanza la perfección de "Fury Road". Y es entendible… pero seamos sinceros, es como comparar una Ferrari con un Lamborghini. La película es un logro en sí misma, destacando cómo se conecta con el universo Mad Max sin sentirse como una simple explotación de la franquicia. Es una precuela que se siente necesaria, nos expande el mundo del Yermo, no una de esas que te dejan pensando "¿para qué hicieron esto?".

En resumen, Furiosa: A Mad Max Saga es una montaña rusa de emociones que ofrece algo para todos. Desde actuaciones destacadas hasta escenas de acción inolvidables, pasando por momentos de humor y reflexión, es una película que merece ser vista en la pantalla más grande posible.

Prepará tus anteojos de sol, porque esta travesía por el desierto apocalíptico te va a dejar cegado de tanta adrenalina y emoción. ¡A disfrutar del viaje!

La adaptación cinematográfica de la obra de los juegos de FNAF, creados por Scott Cawthon, está siendo el tema más popular en la industria del cine de cara a este Halloween del 2023.

La película "Five Nights at Freddy's" fue una esperada adaptación de la popular serie de videojuegos del mismo nombre. La narrativa de horror y suspense que caracterizó al juego fue un desafío a la hora de trasladarlo a la gran pantalla.

Tres opciones de terror y suspenso para palpitar Halloween

Parece que la película no logró captar completamente el espíritu aterrador y divertido que los fans esperaban. Aquí hay una exploración de por qué recomiendan no ver "Five Nights at Freddy's":

Cambios en el Guión: La adaptación cinematográfica fue anunciada originalmente en 2015, pero pasó por varios cambios, incluso un guion completo fue descartado por el creador de FNAF, Scott Cawthon, en noviembre de 2018. Estos cambios podrían haber desviado la película de la esencia original que los fans amaban en los videojuegos.Expectativas Altas: Los fans de la franquicia sintieron alivio al saber que a Scott Cawthon, el creador de la misma, le había encantado la película. Sin embargo, esta aprobación inicial podría haber elevado las expectativas, y cuando la película no cumplió con ellas, la decepción fue mayor.Adaptación de Elementos de Terror: La serie de videojuegos es conocida por su ambiente aterrador y los "jump scares" (sustos repentinos). La expectativa de replicar esta atmósfera en la película era alta, pero parece que no se trasladó de manera efectiva a la pantalla grande, lo que podría haber reducido la sensación de miedo y diversión entre los espectadores.Comparación con la Saga de Videojuegos: La película fue una adaptación de una saga de videojuegos que enloqueció a una generación entera, por lo que la comparación era inevitable. Las diferencias entre la experiencia interactiva del videojuego y la experiencia pasiva de ver una película también podrían haber contribuido a la falta de miedo y diversión.Reseñas Mixtas: La película ha recibido reseñas mixtas, lo que indica que no todos los espectadores encontraron la película aterradora o divertida. La dirección de Emma Tammi y las actuaciones de Josh Hutcherson, Elizabeth Lail, y Matthew Lillard podrían no haber resonado bien con la audiencia, o quizás no fueron suficientes para llevar la película al nivel de terror y entretenimiento esperado.

La adaptación de videojuegos a películas siempre fue un terreno difícil de navegar. "Five Nights at Freddy's" es otro ejemplo de cómo las expectativas altas y la dificultad de trasladar una experiencia interactiva a un medio pasivo pueden resultar en una película que no logra asustar ni divertir como se esperaba.

Una de las películas más comentadas de 2023 ha confirmado su fecha de estreno en Latinoamérica. Sonido de libertad (Sound of freedom), el film que denuncia la trata de niños alrededor del mundo y que centra el foco de su dramática trama en Latinoamérica, llegará dentro de poco este mismo año a salas de cine en América Latina. El título, que fue recomendado por el cineasta Mel Gibson y cuenta con el actor Jim Caviezel en el papel principal, se hizo viral en redes sociales tras su lanzamiento en Estados Unidos y provocó que los espectadores latinoamericanos se manifestaran para que llegue a sus respectivos países.

Narra una historia basada en hechos reales sobre Tim Ballard, un exagente del gobierno estadounidense que cambió de carrera para salvar a niños de la trata de personas internacional, aunque su historia está centrada en Latinoamérica. Durante una misión, Tim rescata a un niño de siete años de un traficante y se ve envuelto en una promesa que no puede romper cuando el pequeño le solicita ayuda para liberar a su hermana, impulsándolo a un viaje cargado de drama y acción.

Jim Caviezel, quien se muestra honrado de participar en la producción, considera este rol como uno de los más significativos en su trayectoria profesional. “De hecho, diría que esta es la segunda película más importante que he hecho después de La pasión de Cristo”, subrayó el actor de 54 años, quien vuelve con un título cinematográfico un poco más alejado de la cristiandad y elaborado como una exposición de la dura realidad que afrontan una gran cantidad de menores de edad.

Precisamente, debido a su dramática premisa, la película no ha pasado desapercibida en redes sociales. Tras su viralización y estreno en Estados Unidos, el film recibió aplausos por su contundente mensaje y las memorables interpretaciones de sus actores. Se trata en sí, de un largometraje que busca sumar a la lucha contra la trata de personas y también mostrar los peligros a los que se exponen aquellos que deciden trabajar para defender a los más indefensos.

Finalmente se ha confirmado que la película se podrá ver en pantalla grande en países como Bolivia (Cine Center Bolivia y Cinemark) y México (Cinépolis) el próximo 31 de agosto. Asimismo, en Perú se ha anunciado la misma fecha de estreno mediante las redes sociales de Cinestar, mientras que las cadenas de Cinemark y Cinépolis en dicha región aún no confirman que la proyectarán desde el mismo día.

De acuerdo con Variety, la película producida por Angel Studios ha recaudado más de 85 millones de dólares y sería cuestión de tiempo antes de que llegue a los 100 millones.

El fenómeno estadounidense de las 'películas basadas en la fe' apenas ha llegado a España, pero puede convertirse en una mina de titulares. Por ejemplo, cuando un filme de bajo presupuesto y sin grandes estrellas en su reparto, pero vinculado a la derecha religiosa y a una notable teoría de la conspiración, se las apaña para adelantar en taquilla al mismísimo Indiana Jones.

Se trata de Sound of Freedom (también conocida como Sonido de libertad), un thriller de recursos modestos que, sin embargo, se las ha apañado para amasar 14,2 millones de dólares en la taquilla USA durante su primer fin de semana, frente a los 11,7 millones recaudados por Indiana Jones y el dial del destino.

Las cifras de Sound of Freedom se vuelven más impactantes cuando sabemos que su presupuesto ha sido de 14 millones y medio de dólares, y que su recaudación total durante sus primeros siete días en taquilla ha bordeado los 40 millones. Cifras más que interesantes en los tiempos de vacas flacas que vive Hollywood hoy en día, e inquietantes si pensamos que el target del filme está formado en parte por los adeptos a teorías de la conspiración de extrema derecha.

Dirigida y coescrita por el mexicano Alejandro Monteverde, responsable de títulos como la antiabortista Bella (2006), Sound of Freedom está basada en las andanzas de Tim Ballard, un exoficial de inteligencia estadounidense que afirma haber desarticulado redes de tráfico sexual infantil a través de su ONG Operation Underground Railroad (OUR). Unas afirmaciones que, como recuerda The Guardian, han sido cuestionadas y criticadas tanto en su veracidad como en sus métodos.

Esas críticas no se ven reflejadas en la película, donde Jim Caviezel (tal vez le recuerdes ensangrentado y crucificado en La pasión de Cristo) interpreta a un Ballard que pronuncia frases como "Los hijos de Dios no están en venta" y "Nunca confíes en un pederasta" mientras lucha contra una mafia de trata de niños. El imperio del crimen en cuestión está basado en Colombia, para más señas, y vinculado tanto a la guerrilla local como a multimillonarios similares a Jeffrey Epstein.

Como recuerda el experto en análisis de taquilla Pau Brunet (vía Twitter), Sound of Freedom se rodó en 2018 y estuvo a punto de llegar a los cines a través de la difunta 20th Century Fox. Sin embargo, los efectos combinados de la absorción del estudio por Disney y la pandemia dejaron al filme en dique seco hasta que Angel Studios, una compañía basada en Utah y especializada en el público religioso y conservador, compró sus derechos y aseguró su estreno.

De hecho, la película que nos ocupa no es el primer éxito de Angel Studios: esta primavera, su serie bíblica The Chosen (Los elegidos) se convirtió en un fenómeno dentro del mercado del streaming, demostrando la habilidad del estudio para conquistar a su audiencia objetivo.

Así, parte del éxito de Sound of Freedom se debe a una campaña 'pay it forward' merced a la cual los espectadores más generosos compraron tickets para que otras personas pudiesen ver la película gratuitamente. Asimismo, Angel Studios ha centrado su promoción en atraer (mediante redes como TikTok) a sectores de la audiencia potencialmente interesados en su mensaje, y residentes en las regiones más conservadoras de EE UU, el llamado 'Cinturón de la Biblia'

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Se trata de Andrés Muschietti, cineasta reconocido mundialmente por su trabajo en películas de terror como Mamá y la adaptación de It.

En el marco del reinicio del Universo DC, orquestado por el director ejecutivo James Gunn, el estudio de cine estadounidense lanzará una nueva película de Batman: The Brave and the Bold. La producción ya tendría a su director confirmado y no es ningún principiante. Se trata del argentino Andrés, "Andy", Muschietti.

La información fue confirmada por Big Screen Leaks, por lo que se presume que Gunn optó por confiarle el nuevo proyecto del hombre murciélago a Muschietti luego de que el director argentino triunfara en su trabajo en The Flash, una película que tuvo un gran recibimiento por el director ejecutivo de la compañía.

Hasta ahora el cineasta argentino se mantuvo en silencio y no confirmó los rumores. "No puedo hablar de eso...todavía", manifestó en diálogo con el periodista Josh K. Elliott. Desde los estudios de DC tampoco precisaron nada en relación a este punto.

Esta película no mantiene ninguna relación con la película protagonizada por Robert Pattinson y dirigida por Matt Reeves, parte de una trilogía que comparte su universo con una serie aún no estrenada. Por este motivo, se espera que de la mano de Muschietti pueda aparecer un nuevo Bruce Wayne en la pantalla grande.

De todas formas, aún no trascendió el nombre de ningún actor para darle vida al hombre murciélago, aunque, en base a la idea planteada por Gunn en relación a The Brave and the Bold, se espera ver en esta oportunidad a un Batman mucho más envejecido que en las entregas anteriores.

Si bien aún no se conocieron los detalles sobre la película, trascendió que se centrará en presentar a la familia de Bruce Wayne y, sobre todo, plasmar la relación con su hijo Damian Wayne, quien en esta oportunidad se presentaría como el nuevo Robin.

¿Quién es Andy Muschietti?

Andrés, "Andy", Muschietti, nació el 26 de agosto de 1973 en Vicente López, se recibió en la Universidad del Cine en la década del 90 y comenzó su carrera en la industria cinematográfica como asistente de producción en diferentes películas.

En este camino, el cineasta conoció el éxito en 2013 luego de dirigir la película de terror canadiense Mamá, basada en un cortometraje del mismo nombre que Muschietti había compartido en su canal de Youtube. Una vez adaptado para la pantalla grande, el film recibió innumerables críticas positivas.

Posteriormente, su carrera continuó creciendo de la mano de dos icónicas películas del género del terror: It (2017) y su secuela It: Chapter Two (2019), una historia que lleva al cine la adaptación de la famosa novela del escritor Stephen King.

Su último éxito fue su desempeño en The Flash, dado que, si bien la película aún no se ha estrenado, Gunn alabó el trabajo del argentino y adelantó que esta será "probablemente una de las mejores películas de superhéroes jamás realizadas".U

La nueva película del director de Taxi Driver, tendra como protagonistas a dos de sus actores fetiche: Robert De Niro y Leonardo DiCaprio.

Martin Scorsese vuelve a dirigir cine junto a dos de sus actores emblema, Leonardo DiCaprio y Robert De Niro, en Killers of the Flower Moon. La próxima película del aclamado director fue producida por Apple TV y llegará a los cines en octubre.

La película está basada en la novela de no ficción de David Grann, Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI, la historia se sitúa en 1920. El film contó con las actuaciones de Scott Shepherd, Pat Healy, Tantoo Cardinal, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, William Belleau, Louis Cancelmi, Tatanka Means, Michael Abbott Jr., Gary Basaraba, Brendan Fraser, Jason Isbell y Sturgill Simpson.

La trama ronda en torno a los miembros de la tribu de nativos americanos del condado de Osage, en Oklahoma, que mueren asesinados cuando se encuentra petróleo en sus tierras, y el FBI decide investigar.

La revista Deadline publicó un artículo en honor al director donde hizo un recorrido por su carrera. Allí Scorsese habló sobre su edad y cómo cree que se le está acabando el tiempo para contar historias: “Tengo que hacerlo. Sí. Ojalá pudiera tomarme un descanso de ocho semanas y hacer una película al mismo tiempo. Se me ha abierto el mundo entero, pero es demasiado tarde. Soy viejo. Leo cosas. Veo cosas. Quiero contar historias, y ya no hay tiempo”.

“Kurosawa, cuando recibió su Oscar de manos de George [Lucas] y Steven [Spielberg], dijo: ‘Sólo ahora estoy empezando a ver la posibilidad de lo que el cine podría ser, y es demasiado tarde’. Él tenía 83 años, y en aquel momento pensé: ‘¿Qué quiere decir?’. Ahora sé lo que quiso decir”, sentenció.

Este miércoles por la noche se llevó a cabo el estreno del filme Objetos, protagonizado por la China Suárez y Álvaro Monte, el actor español recordado por interpretar al Profesor en La Casa de Papel. También estuvieron presentes el director Jorge Dorado y los actores que participaron de este thriller, como Daniel Aráoz y Andy Gorostiaga. Además desfilaron por la alfombra roja figuras invitadas como Selva Alemán, Arturo Puig, L-Gante y La Joaqui.

En la alfombra roja, la China se robó todas las miradas al lucir un vestido verde esmeralda del diseñador Javier Saiach, con cuello alto, mangas abullonadas y una falda corta con el detalle de una extensa cola. Para completar el look, tenía una tiara en la cabeza y dos trenzas cocidas largas.

Enmarcada en la categoría de thriller con características de filme noir, Objetos relata la historia de Mario (interpretado por Morte), un hombre que trabaja en un gran almacén de objetos perdidos que se convirtió de alguna manera en un custodio de estas cosas que acumuló durante muchos años. Así va a ir investigando la procedencia de estos objetos con el fin de poder devolverlos a sus dueños originales.

La llegada al almacén de Helena, una joven policía, va a cambiar la vida de este hombre un tanto ermitaño. Y es que un día llega con una maleta rescatada del fondo del río que contiene ropa de bebé junto con restos humanos. Así Mario comenzará a investigar por su cuenta hasta llegar a conectarse con Sara, una joven atrapada desde niña en una organización de tráfico de personas, que son tratadas como objetos. De allí su nombre.

Cabe recordar que el rodaje de la película se realizó en Madrid (España) y en la provincia de Jujuy, donde se utilizaron como escenarios los imponentes paisajes de Purmamarca y Tilcara. Su paso por el norte argentino conmovió a la Suárez porque le hizo recordar a su padre, quien murió en 2012. “Jujuy y alguna fibra que tocó en mí. Su música, sus colores, su energía. Volví a mi infancia en una noche. Colmada de recuerdos, imágenes. De mi papá y mi tío masticando coca y escuchando folclore en el living de mi casa. Una noche con mis hijos comiendo humitas y empanadas, escuchando música y entendiendo que nunca necesité más que eso para ser feliz”, había escrito en su cuenta de Instagram.

Sinceramente no me esperaba la película que ví.

Desde chico sigo el mundo de los comics, sea Marvel, DC, Image, Dark Horse, Valiant o la empresa que tenga a mano, sin importar temática, sin importar formato. Hay que tener en cuenta que acá en Argentina no es tarea fácil ser fan de un contenido que muchas veces es complicado de acceder, pero aún así, tenemos la posibilidad de que eventualmente nos lleguen adaptaciones de forma animada o, aún mejor, al cine.

Por eso aunque suene poco creíble ya que el director viene pegando un hit tras otro, entré a la sala con muy pocas esperanzas que lo que estaba por ver esté a la altura del material original. Rogué que por favor, James Gunn no haya perdido el toque.

Después de puntos bajos para el Universo Cinematográfico Marvel llegamos a encontrarnos con una tremenda propuesta que nos deja reflexionar sobre cuestiones cercanas a nosotros. Nos habla sobre lo que es familia, sobre lo genuino en lo que amamos y sobre todo (como nos marca la escena que abre con Creep de Radiohead sonando de fondo), sobre pertenecer. Sobre cuál es nuestro lugar en el mundo, de donde venimos y hacia dónde vamos.

El público general sufre un agotamiento notorio hacia las películas de superhéroes, y es innegable que la fórmula que fue de gran éxito durante todos estos años hoy ya resulta grosso modo previsible, cansina y aburrida. El espectador hoy ya está de cierta forma cansado del esquema héroe que se encuentra de forma sorpresiva en una historia que termina disolviéndose en un team-up sorpresa con una gran pelea con efectos especiales de calidad dudosa.

Pero, acá no es el caso.

Acá se nos muestra que todavía queda espacio para mostrarnos ocasiones donde los personajes chocan con sus propios valores y motivaciones que justamente llegan a probar el temple de esas habilidades que nosotros los espectadores desafortunadamente no tenemos.

Hacía rato que una película de superhéroes no golpeaba ciertas fibras sensibles, y finalmente se nos muestra que una película para los chicos, grandes y la familia no tiene que ser necesariamente infantil. Obvio, a veces la película va por comedia condimentada con algún que otro momento absurdo, pero golpea en misma medida que el dolor y la tragedia nos lleva por la narrativa.

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Sin contar mucho de la historia, en esta ocasión se nos muestra un viaje para salvar a Rocket, después de que algo que sucede en la película anterior los alcanza a los Guardianes en su nueva base. Toda la travesía pasa por lugares icónicos donde se nos va mostrando de a poco la historia del integrante (del que nos enteramos progresivamente) más inteligente del equipo.

El villano es un punto altísimo de la película, pocas veces sucede que el espectador espera con tantas ganas que lo encuentren y lo detengan como en este caso. Lejos está el villano magnánimo y solemne como lo fue Thanos, para traernos una maldad que roza la locura, una locura sumamente humana y, aunque retorcida, entendible.

Para finalizar, desde la redacción recomendamos ver el Especial de Navidad disponible ya en Disney+, que actúa explicando algunos puntos que si bien no son necesarios para disfrutar la película nos ayudan a hilar algunas tramas secundarias.

Sin volver demasiado al tema, entré al cine con expectativas que aunque no bajas, no eran demasiado altas, porque convengamos que Marvel estaba experimentando un camino pedregoso de momentos de menor calidad, pero fue una sorpresa admirable. Un perfecto final para esta saga, en donde no nos vamos con una gran explosión sinó con una melodía, una que escuchamos de vuelta, desde hace 9 años.

Lejos de cabañas en el bosque pero manteniendo el espíritu de la versión del 2013 y usando de una forma elegante (al menos para el contexto) iconografía y elementos ya conocidos entre fanáticos de la saga, Evil Dead Rise (o Evil Dead: El Despertar, como se tituló acá) es una fuerte apuesta para continuar el legado de esta historia de nunca acabar entre demonios implacables y héroes improvisados, sin perder toda la mística que la viene caracterizando desde su primer largometraje en 1981. En esta ocasión, se le dio carta blanca al director Lee Cronin para que tomara todas las libertades necesarias para mantener en altura el nombre de la franquicia, llegando declarar en una entrevista que se permitió no dejar nada fuera de la película, contando que “ninguna idea fue demasiado grotesca como para no incluirse”. Obviamente, todo esto estuvo siempre bajo el ala de Sam Raimi, Rob Tapert y Bruce Campbell, quien en entregas anteriores fuese el personaje principal y aunque aquí no aparece en pantalla, tiene un cameo interesante en la versión subtitulada como la voz en la grabación de los vinilos que contienen los fragmentos del Libro de los Muertos.

Después de un pequeño prólogo donde se nos muestra un escenario conocido para los seguidores de las Evil Dead, se nos lleva a un viejo edificio en el cual nos presentan a dos hermanas que, aunque distanciadas, siguen atadas más allá de un lazo de sangre: Beth (interpretada por Lily Sullivan) y Ellie (interpretada por Alyssa Sutherland), quien vive con sus tres hijos, Kassie, Bridget y Danny (Nell Fisher, Gabrielle Echols y Morgan Davies, respectivamente).

Beth, después de una situación personal, se acerca al departamento de su hermana para una visita espontánea, pero un repentino terremoto abre una puerta a lo desconocido que volverá una noche lluviosa en una noche alucinante que ni ellos ni el espectador esperan vivir.

La película cuenta con un casting bastante acertado, lo cual es uno de sus puntos fuertes junto a un guion sólido. El reparto está a la altura de lo esperado y los personajes se sienten muy humanos, lo que nos permite empatizar con ellos en todo momento e identificarnos con cada uno, llegando a entender su perspectiva de la situación. A medida que avanza la trama y donde no solo los interiores, sino también las intenciones de los personajes se vuelven más oscuros y tenebrosos, se nos hace cercano poder sentir en carne propia el miedo junto a ellos dentro un caos totalmente fuera de control que, de forma implacable, nos deja sin palabras frente a un espectáculo macabro lleno de guiños hacia la franquicia en la que Cronin hace un trabajo impecable mostrándonos esos elementos icónicos que hoy ya son clásicos del horror.

La película es una experiencia de lo más intensa, no apta para los débiles de corazón.

Pero, si estás dispuesto a dejar de lado tus inhibiciones, te espera un viaje único que te mantendrá al filo de la butaca de principio a fin. Avisado esté quien entre en la sala, que en poco menos de 100 minutos vivirá una montaña rusa de vísceras, brutalidad y sangre (¡Se utilizaron más de 6500 litros!) que lo dejará abrazado al balde de pochoclos durante todo el recorrido.

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La cuarta entrega de la saga protagonizada por Keanu Reeves fue la más convocante, con 149.256 asistentes en su estreno en salas. En segundo lugar quedó Shazam: la furia de los dioses, con 53.877 entradas vendidas de jueves a domingo.

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Con 149.256 entradas vendidas de jueves a domingo, John Wick 4 fue la película más vista en los cines argentinos. La cuarta entrega de la saga protagonizada por Keanu Reeves, que se estrenó el último jueves, se quedó con casi un tercio de la taquilla total en salas en ese plazo, que fue de 454.213 asistentes, consigna Ultracine.

En segundo lugar quedó Shazam: la furia de los dioses, con 53.877 tickets cortados y un acumulado de 151.304 en dos semanas en cartelera.

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La animación El gato con botas: el último deseo –que ya lleva once semanas en cartel– se terminó tercera y es la película más taquillera del top ten con 2.384.283 tickets acumulados.

La comedia dramática argentina Asfixiados, con 26.147 entradas vendidas, y Winnie the Pooh: miel y sangre, con 10.861 asistentes, son los otros dos estrenos de la semana que se ubicaron entre los diez films más vistos. ROSARIO3.

El Cine Municipal se suma a La Fiesta del Cine 2023, una iniciativa del INCAA y un grupo de exhibidores, que se llevará a cabo los días 12, 13 y 14 de febrero, con entrada a un precio promocional de $450.

Durante tres días, todas las funciones comerciales tendrán una entrada promocional de sólo $450. Las películas que proyectará el Belgrano para esta ocasión serán El Gato con Botas 2 a las 18:00 y Los Fabelman a las 21:30.

Los Fabelman, la cinta más personal de Steven Spielberg

Estrenada mundialmente en el Festival de Toronto, donde ganó el Premio del Público, y tras alzarse con dos Globos de Oro como Mejor película de drama y Mejor Dirección, “Los Fabelman”, el nuevo film de Steven Spielberg, se posiciona como una de las películas favoritas para el Oscar a Mejor Película 2023, pero también como una de las cintas más emotivas dentro de la filmografía de su director, ya que está basada en su propia infancia y familia.

Este relato a medio camino entre la ficción y la realidad que aspira a siete premios Oscar, sigue los pasos de Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle), un joven que vive entregado al cine, un interés aplaudido y fomentado por su artística madre, Mitzi (interpretada por la cuatro veces nominada al Oscar Michelle Williams). Su padre, Burt (Paul Dano), un prestigioso científico, apoya el trabajo de Sammy, pero lo considera una mera afición.

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A lo largo de los años, Sammy se convierte en un auténtico documentalista de las aventuras de su familia, así como en el director de unas producciones cinematográficas amateur cada vez más elaboradas, protagonizadas por sus hermanas y amigos.

Ya con 16 años, Sammy es el principal observador y archivista de la historia de su gente, pero cuando su familia se muda al oeste, descubre una descorazonadora verdad sobre su madre que redefinirá la relación entre ambos y cambiará tanto su futuro como el de todo su núcleo familiar.

Los Fabelman se proyectará de viernes a martes a las 21:30, subtitulada, con una entrada general de $800 para los días viernes y sábado, mientras que el domingo, lunes y martes las entradas costarán $450. Es apta para mayores de 13 años.

Segmento familiar

En el horario de las 18:15 continúa “El Gato con Botas 2: El último deseo”.

Esta nueva aventura de DreamWorks Animation y el universo de Shrek, también nominada a los Oscar 2023 como Mejor película de Animación, cuenta las andanzas del valiente forajido Gato con Botas quien descubrirá que su pasión por el peligro y su desprecio por la seguridad le han pasado factura. Gato ha gastado ocho de sus nueve vidas, y deberá emprender un viaje épico para encontrar el mítico Último Deseo y restaurar sus nueve vidas.

Se proyectará en su versión doblada, con actores a la altura de su elenco original: Antonio Banderas como Gato con Botas (en ambas versiones), acompañado por Verónica López Treviño, Julieta Nair Calvo, Patricia Etchegoyen y Axel Kuschevatzky, entre otros.

La entrada general es de $800 para los días viernes y sábado, mientras que el domingo, lunes y martes las entradas costarán $450. Es apta para todo público.

Espacio INCAAEl film nacional que se proyectará esta semana es “El lado salvaje”, dirigido por Juan Dickinson, y protagonizado por Vanesa González, Osmar Nuñez, Lautaro Delgado y Eva Bianco.

Clara regresa a la centenaria estancia patagónica con Martina, su pequeña hija, luego de veinte años de ausencia. Allí la espera su papá, Daniel, con el que Clara está distanciada por un viejo e inútil rencor. La estancia ha envejecido como su padre y a los problemas habituales se suma una jauría de perros salvajes que diezman a los rebaños y los acechan. Clara deberá llegar hasta su lado salvaje para salvar a su padre, resolver sus contradicciones y recuperar a su familia.

Se podrá ver de viernes a martes a las 20:00. La entrada general es de $200 y descuento a jubilados y estudiantes $100. Es apta para mayores de 16 años.