El Gobierno de Santa Fe presentó oficialmente en la ciudad de Arroyo Seco el proyecto correspondiente al tercer capítulo de la miniserie “Gol Gana”. Esta producción audiovisual, que consta de seis episodios, está basada en el libro homónimo del escritor Damián Andreoli y se rodará íntegramente en dicha localidad durante el mes de diciembre.

El acto se desarrolló en el Complejo Integral Los Tiburones y contó con la presencia del ministro de Educación, José Goity. El nuevo episodio, titulado “El fútbol, los mellis y mi vieja”, contará con la participación estelar de los reconocidos actores Mirta Busnelli y Diego Cremonesi, quienes actuarán junto a diversos artistas locales.

Durante la presentación, el ministro José Goity destacó la labor del autor: “Damián Andreoli tiene un enorme talento y una capacidad de transformar ese talento en proyectos colectivos, de construir con otros y de generar iniciativas que trascienden lo individual”. El funcionario resaltó que la obra ya forma parte del Plan Provincial de Lectura 2026.

En relación al impacto educativo, Goity subrayó: “Ya hemos distribuido más de 1.800 ejemplares en escuelas de todo el territorio santafesino para seguir produciendo aprendizajes y para que los estudiantes puedan introducirse en el mundo de la lectura”. La propuesta busca fortalecer la identidad cultural a través de relatos que vinculan el fútbol con la vida cotidiana.

Por su parte, el intendente de Arroyo Seco, Daniel Tonelli, celebró la iniciativa: “Para Arroyo Seco es muy importante que nuestros vecinos puedan ser protagonistas y que la ciudad reciba una producción que va a generar un gran movimiento cultural y económico”. El jefe comunal enfatizó el valor de que la localidad sea el escenario principal de este rodaje.

La actriz Mirta Busnelli expresó su entusiasmo al señalar que “Gol Gana es un proyecto que surge del interior y que apuesta a producir y a generar oportunidades para tantos artistas y trabajadores”. En la misma línea, Diego Cremonesi afirmó: “Es maravilloso que en estos momentos se apueste por producir cine en el interior y por contar historias que reflejan nuestra identidad”.

El evento también contó con la participación del presidente del Concejo Municipal, José Luis Murina, y el concejal Damián Salinas. La serie, que ya ha recorrido diversas localidades como Rosario, Casilda y Venado Tuerto, continúa consolidándose como una herramienta clave para promover el desarrollo educativo y cultural en toda la provincia de Santa Fe.

La miniserie de cuatro episodios, Mis muertos tristes, llegará a la plataforma de streaming este jueves 24 de septiembre. La obra, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del 74º Festival Internacional de Cine de San Sebastián, está basada en el universo literario de la escritora argentina Mariana Enríquez y cuenta con la dirección del cineasta chileno Pablo Larraín.

La historia sigue a Ema, una médica de 60 años recientemente jubilada que posee la capacidad de ver y escuchar a los muertos. Esta condición, con la que convive desde niña, se ve alterada por la muerte de su madre y la llegada de su sobrina Julie, quien también puede comunicarse con las almas. La trama se intensifica tras el asesinato de tres adolescentes en el barrio Piedrabuena, evento que desdibuja la frontera entre los vivos y los muertos.

El elenco está encabezado por Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Sánchez Álvarez. Sobre el proceso creativo, la escritora señaló:

Es que este es otro relato.

La producción no es una adaptación lineal, sino una construcción que entrelaza elementos de cuentos como Julie, Un lugar soleado para gente sombría y Cuando hablábamos con los muertos. El guion fue desarrollado por Mariana Enríquez, Guillermo Calderón, Anastasia Ayazi y Pablo Larraín.

La serie ha recibido elogios destacados, incluyendo el respaldo del escritor estadounidense Stephen King, quien calificó la premisa como una idea genial a través de sus redes sociales. La obra utiliza el terror como una vía para abordar la memoria, el duelo familiar y las consecuencias de aquello que queda pendiente en la sociedad.

Motivados por dos razones principales: el clamor del público y la necesidad de contenidos digitales cortos, Pesonal “revivió” a La Llama que Llama.

Con evento oficial desde Huacalera, Jujuy, tierra primordial de esta especie de mamífero, la empresa trajo nuevamente a la vida a los personajes que provocaron (y siguen provocando) risas y marcaron una época de la publicidad televisiva.

A 25 años de su primer pico, las llamas regresa con una serie original de Personal que contará con ocho capítulos estrenados en diferentes tramos semanales a través de la plataforma Flow, uno de sus principales productos del momento.

“La Llama que Llama” se adapta a los tiempos y desde este viernes 27 de febrero comienza a relatar, con humor e ironía de por medio, diferentes aventuras marcadas por la evolución tecnológica en la comunicación y la convivencia de diferentes generaciones.

El espacio de visualización es el on demand de Flow, que cuenta desde este viernes con los primeros cuatro episodios. Los restantes se dividirán en dos tandas de dos el jueves 5 de marzo y el jueves 12 de marzo.

La Llama que Llama es el padre de familia que hace las llamadas y nunca paga la factura de teléfono; Llamona es la madre de la familia que se conoció con la Llama que Llama mientras hacía desnudos para documentales; Llamiro el hijo adolescente; Viejo, el padre de Llamona y Bebé que a su tierna edad, ya maneja una divertida conducta bandida.

Una de las principales características es que no sólo vuelven las llamas, sino también sus creadores artísticos originales, sus voces e incluso sus titiriteros. Esta versión fue creada por Maximiliano Anselmo y Sebastián Wilhelm y dirigida por Francisco Colombatti de Landia.

Con un legado presente en diferentes redes sociales que lograron mantener su espíritu vivo antes de esta resurrección, apareció la idea de traerlas a las pantallas, pero dejando de lado la publicidad y su premisa inicial de promocionar las por entonces novedosas llamadas a larga distancia más accesibles.

En esta ocasión, serán episodios de entre 5 y 20 minutos adaptados a un formato “snack” de consumo más fluido, acorde a ciertas demandas de un sector de usuarios digitales.

La sede puntual fue el Huacalera Hotel, ubicado en la homónima ciudad jujeña a aproximadamente 100 kilómetros de la capital San Salvador de Jujuy y en plena Quebrada de Humahuaca.

Su relación directa con la provincia norteña ha llevado a La Llama que Llama a ser declarada el pasado martes 24 de febrero de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura y Turismo de Jujuy. En el acto central estuvo presente el propio gobernador jujeño Carlos Sadir, acompañado de las autoridades de Personal.

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El brunch de presentación estratégica de La Llama que Llama, Personal y Flow para el primer semestre de 2026 fue el miércoles 25 y estuvo a cargo de Pedro López Matheu, director de Comunicaciones Externas, Sustentabilidad y Medios de Personal; Silvana Cataldo, directora de Entretenimiento y Brand Marketing de Personal; y Antonio Álvarez, director de Programación de Personal.

En el año 1998, ‘La Llama que Llama’ surgió como una campaña cuyo objetivo era publicitar los planes de llamadas de larga distancia en el servicio de telefonía fija de Telecom. Rápidamente, esta familia de llamas que se divertía haciendo chistes por teléfono porque pagaban menos por las llamadas, se ganó el corazón de todo un país a fuerza de un humor irreverente, simple, pero a la vez ingenioso y que apelaba a referencias sociales y culturales. A lo largo de los tres años que se extendió la campaña, se emitieron 26 comerciales de TV que lograron trascender la pantalla para instalarse en la memoria publicitaria argentina.

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Desde la emisión de la última serie de comerciales hasta la actualidad, resistiendo los avances tecnológicos y los cambios en consumos culturales, ‘La Llama que Llama’ continuó presente en el imaginario cultural argentino gracias a las nutridas comunidades de fanáticos y las diferentes redes sociales que surgieron con el transcurso de los años y sitios alusivos que mantuvieron vivos los personajes.

El Litoral

El éxito de la serie documental de Jada Pinkett Smith, envuelto en controversia por su retrato de la heredera de la dinastía ptolomaica como una soberana negra, confirma la estrategia de la plataforma de sumar a las habituales licencias históricas un estratégico oportunismo que intenta encajar el pasado en la agenda del presente

El estreno de La reina Cleopatra confirma lo que ya resulta una clara tendencia de la plataforma a la hora de revisitar personajes e hitos de la Historia: amalgamar en una miniserie de pocos episodios un escueto inventario de sucesos memorables, relatados por eruditos y académicos, y recreados por actores en una lánguida trama de ficción. Así un personaje como Cleopatra es presentado con entusiasmo por la narradora y productora ejecutiva Jada Pinkett Smith con una suma de adjetivos elogiosos que luego se repetirán en las intervenciones de historiadores, egiptólogos y autores de novelas históricas con similar fascinación. Y todo ello escalonado con recreaciones ficcionales que recuerdan más a cualquier telenovela que a algún intento genuino de repensar el relato histórico desde la ficción.

La recién estrenada La reina Cleopatra no solo no escapa a esa nueva moda del exploit histórico, sino que integra un discurso racial que haría sonrojar a los grandes luchadores por los derechos civiles. El relato comienza con el consabido “había una vez” para seguir con la definición de una época en la que las mujeres “gobernaban con un poder sin igual como guerreras, reinas, madres de naciones”, cuyas acciones parecen haber conseguido eco recién en nuestro presente. Entre ellas, por supuesto, Cleopatra fue la más icónica. “¿Zorra o estratega?” nos pregunta la voz de Jada Pinkett Smith y la traducción de Netflix. Lo que sigue parece ser el intento de dilucidar ese crucial interrogante y, mientras siguen los elogios abstractos y nuevas referencias a nuestro tiempo, la actriz Adele James da vida a una Cleopatra que reivindica su raza y linaje, diciendo frases como “Moriría por Egipto, ¿por quién morirías tú?” mientras retuerce las sábanas, lucha con lanzas, se arregla los rulos o grita a cámara desencajada. La primera de las académicas entrevistada, Shelley P. Haley, del Hamilton College, recuerda como fundamento de su estudio sobre Cleopatra un relato de su abuela cuando volvía del colegio: “No importa lo que te digan en el colegio, Cleopatra era negra”.

La identidad racial de la reina de Egipto, al igual que el recorrido por su ascenso al trono y alianza militar con el Imperio Romano, son construidos desde esa simple emotividad, con frases elocuentes e impactantes, tonos exultantes, declaraciones efectistas. La recreación ficcional ofrece una mejora respecto de las miniseries anteriores, con mejores interpretaciones pero sin llegar al desarrollo de nudos dramáticos, sino reducida al despliegue de breves fragmentos que apenas ilustran afirmaciones previas o exposiciones posteriores. La lógica de la miniserie es la misma que en las otras versiones: novelar para simplificar la Historia; convertir en héroes o villanos a los personajes; ofrecer un tratamiento contemporáneo del lenguaje y las costumbres; utilizar la ficción como representación de lo resumido en las entrevistas. De esta manera, prima la agilidad del relato por sobre la vocación de acercar la Historia al espectador, transformando estrategias políticas y gestas militares en caprichos adolescentes o romances apasionados. “Era un ambiente muy Game of Thrones” concluye la profesora Jacquelyn Williamson, sobre la disputa de los herederos de Ptolomeo XII por el trono de Egipto.

El dilema del rigor histórico es algo de lo que se ha liberado la mayoría del cine histórico contemporáneo al recurrir al paraguas de la ficción. Tanto películas como La favorita o series como The Great, ambas escritas por Tony McNamara, como relatos sobre eventos más cercanos en el tiempo como Gaslit o Los plomeros de la Casa Blanca, sobre el escándalo del Watergate, han elegido la farsa como puerta de entrada a la historia. Allí no es relevante la veracidad de los hechos representados sino la mirada del artista a partir de un prisma de ficción que, en el mismo gesto de deformación, hecha luz sobre acontecimientos a menudo escondidos. En cambio, estos híbridos ofrecidos por Netflix prescinden del humor y buscan nutrirse del universo documental al utilizar los testimonios de expertos como garantía de verdad. Entonces la definición del eunuco Potino, poderoso asesor de Ptolomeo XIII (hermano de Cleopatra y corregente de Egipto junto a ella tras la muerte de su padre), como la silueta de un intrigante resulta una errática observación sobre la distribución del poder en el país y termina siendo una coartada para una representación burda y poco fehaciente de ese personaje.

“Es un momento agridulce que ocurre a todos los monarcas: para poder gobernar, sus padres deben morir”. La frase atribuida a otro de los eruditos intenta una exploración psicológica de lo que resulta una regla ancestral para los reinados, aspirando a encajar una pieza histórica dentro de la mentalidad de un espectador actual sin mayor esfuerzo que el de una parodia terapéutica. Así, la concepción de Cleopatra como una especie de estrella en una biopic musical justifica la inclusión de “hits narrativos”: su romance con Julio César, la concepción de Cesarión, la huida de Roma tras la muerte de su amante, la seducción de Marco Antonio. El trasfondo se diluye en esos mojones singulares, musicalizados con el estilo impuesto por Pantera Negra de Marvel, con los académicos vitoreando cada hecho histórico como un nuevo triunfo de Cleopatra sobre sus malvados enemigos, sea su hermana Arsínoe u Octavio, el heredero de Julio César y futuro emperador Augusto. Y así como detrás de esos aparentes triunfos de la faraona solo hay celebración y no demasiado análisis, detrás de cada quiebre aparente de la moral contemporánea hay un ejercicio de justificación, ya sea por su condición de mujer, por la maldad de sus enemigos o por alguna vaguedad que resulte creíble.

Por último, la falta de consenso sobre el color de piel de Cleopatra, quien siempre resulta ser parecida a cada estudioso que la describe, hizo que el Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto repudiara la serie de Netflix por la falaz afirmación de que la reina de Egipto era de piel negra. El resultado fue una serie de ataques en las redes sociales a la actriz que la interpreta y la consiguiente ofensa por parte de una sorprendente corte de defensores del rigor histórico. Hace dos años, una miniserie británica con una Ana Bolena interpretada por la actriz negra Jodie Turner Smith despertó el enojo furibundo de espectadores que no aceptaban aquella licencia ni siquiera bajo el paraguas de la ficción. En este caso, si bien la falta de pruebas documentales del origen racial de la reina del Nilo podría dar una prerrogativa, la pretensión “documental” de la serie echó por tierra cualquier licencia poética. Cleopatra queda así prisionera de la pobreza de la ficción que la representa, de la fingida euforia de quienes dicen haberla estudiado, y de los enigmas que prevalecen sobre su origen que aún no llegan a horadar la fuerza de su leyenda.

FUENTE: La Nación