La música argentina volverá a celebrar uno de sus momentos más importantes del año con la nueva edición de los Premios Gardel. La Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas confirmó el listado completo de nominaciones para 2026, con una escena que refleja diversidad de géneros, cruces estilísticos y proyección internacional.

Entre los favoritos aparecen Cazzu, Lali, Milo J, Babasónicos y Marilina Bertoldi, quienes competirán por Álbum del Año. La ceremonia se realizará el 26 de mayo y reunirá a figuras consagradas junto a nuevas generaciones.

Latinaje – Cazzu

No vayas a atender cuando el demonio llama – Lali

La Vida Era Más Corta – Milo J

Cuerpos, vol.1 – Babasónicos

Para quién trabajas vol. I – Marilina Bertoldi

"Advertencia" – Babasónicos

"Niño" – Milo J

"Mejor que vos" – Lali & Miranda!

"Con Otra" – Cazzu

"Favorita" – Angela Torres

"El gordo" – Marilina Bertoldi

"Querida Yo" – Yami Safdie, Camilo

"Fresh" – Trueno

"#Tetas" – Ca7riel & Paco Amoroso

La amplitud de géneros vuelve a ser protagonista en esta edición, con una fuerte presencia del urbano, el pop y el rock, pero también del folklore, el tango y la música experimental.

"In the City" – Charly García & Sting

"Niño" – Milo J

"Mejor que vos" – Lali & Miranda!

Papota – Ca7riel & Paco Amoroso

A tres días de la tierra – Eruca Sativa

La Vida Era Más Corta – Milo J

Marilina Bertoldi

Santiago Motorizado

Richard Coleman

Fernando Ruiz Díaz

Fito Páez

Gotti B – Tiago PZK

Quimera – María Becerra

166 (Deluxe) retirada – Milo J

Saturación pop – Ysy A

Lamba – FMK

Olivia Wald

Zoe Gotusso

Diego Torres

Lali

Angela Torres

Juan Ingaramo

Emilia

Little Boogie & Stereo

Bhavi

Neo Pistea

Veeyam

Trueno

Paulo Londra

Divididos

Indios

Eruca Sativa

Airbag

Babasónicos

El Mató a un Policía Motorizado

A continuación, el detalle completo de todas las categorías:

Incluye ternas de folklore, tango, jazz, música clásica, electrónica, infantil, instrumental, reggae, pop alternativo, rock pesado, videoclip, producción, colaboración, canción por género y nuevo artista, entre otras. La edición 2026 abarca más de 50 categorías, consolidando a los premios como el principal reconocimiento de la industria musical argentina.

Entre los nombres que más se repiten en distintas categorías aparecen Milo J, Lali, Trueno y Bizarrap, reflejando el dominio de la escena urbana, aunque también conviven artistas históricos como Charly García y propuestas emergentes.

La categoría Mejor Nuevo Artista presenta una fuerte renovación generacional, mientras que las ternas técnicas, como producción e ingeniería, destacan el crecimiento profesional de la industria.

Los Premios Gardel no solo reconocerán lo mejor del último año, sino que también marcarán el pulso de lo que vendrá. La combinación de artistas consagrados y nuevas voces consolida una escena en constante evolución.

La ceremonia del 26 de mayo se perfila como una noche clave para entender hacia dónde se dirige la música argentina, con una industria cada vez más diversa, exportable y conectada con el mundo.

El LItoral

La cantante urbana La Joaqui salió a responder públicamente a los cuestionamientos que recibe por el contenido de sus canciones y aseguró que sus letras no buscan promover conductas nocivas, sino expresar emociones y experiencias personales.

Las declaraciones fueron realizadas durante su participación en el ciclo Patria y Familia, donde reflexionó sobre el sentido de su obra y la presión que atraviesan los músicos en la actualidad. La artista, cuyo nombre real es Joaquinha Lerena De La Riva, sostuvo que las interpretaciones que se hacen sobre su música suelen ser simplificadas.

“Yo sabía que en algún momento se iba a cuestionar muy fuertemente la música que yo hago. Y sé que es muy fácil decir: ‘La Joaqui quiere que vos te drogues’. No, la verdad que no”, expresó. En ese sentido, agregó: “Yo escribo las canciones tomándome un té de tilo. En realidad, es una invitación a disociar de lo que te está conflictuando por un momento”.

Al referirse a la exigencia permanente de producir nuevos contenidos, reconoció haber atravesado un proceso personal complejo. “Me empecé a sentir mal conmigo misma, porque hay una cuestión numérica que te presiona, estadística, y que te obliga a seguir resurgiendo con cosas que no estás lista para dejar ir”, explicó.

Según señaló, gran parte de su música nació como una forma de canalizar emociones. “Una música que buscaba sonar festivamente. Era más profundo lo que yo soñé, como para que me digan: ‘Vos invitás a los pibes a drogarse’. No, la profundidad jamás es invitar a vivir como yo vivo”, afirmó.

La artista también hizo referencia a la diferencia de trato entre hombres y mujeres dentro de la industria musical. Consultada sobre si percibe una doble vara, respondió afirmativamente y comparó su situación con la de colegas varones. “En el hombre sí pueden dividir su música de eso. Yo siento que, en mi caso, no importa cuánto lea o cuánto haga”, sostuvo, y cuestionó con ironía por qué ciertas letras masculinas son aceptadas sin polémica.

Por último, aclaró que no todo su repertorio está dirigido a todos los públicos. “La canción que es muy explícita, no se la ponés. No está en el algoritmo de alguien que escucha La Granja de Zenón”, señaló. También indicó que sus hijas no interpretan sus letras del mismo modo que los adultos y que viven su infancia sin esa carga de significado.

En el marco del 23 de enero, Día del Músico, Guillermina Scalenghe, música de Rafaela, compartió una mirada íntima sobre su vínculo con la música, atravesado por la familia, la docencia y el trabajo cotidiano, pero también por la necesidad permanente de creación.

“La música siempre estuvo en casa”, expresó al recordar su infancia. “Con mi viejo, la cuestión de la música, de verlo siempre trabajar de eso, era un lugar que a mí me quedaba cómodo”, señaló.

Con el paso del tiempo, ese entorno familiar se transformó en una elección de vida. “Estudié acá el profesorado, después empecé a dar clases y hoy trabajo en la escuela 22 de Noviembre y en la escuela Remo Pignoni , además de dar clases en casa”, explicó.

Scalenghe valoró la posibilidad de haber hecho de la música su sustento. “La verdad que re bien, vivís de la música y contenta con eso”, afirmó.

En ese camino, también recordó a figuras familiares que dejaron huella. “Hemos compartido escenarios con el Mingo, tenía su carácter el abuelo, pero me enseñó muchas cosas muy lindas que hoy perduran en cómo hago las cosas con respecto a la música y a la profesión”, expresó.

Con una mirada más madura, reconoció cómo cambió su relación con la música a lo largo de los años. “Hoy, viéndolo de una manera más adulta, no es lo mismo que cuando tenía 15 años y era más rebelde, cuando decía ‘yo quiero tocar, no me interesa el secundario’”, recordó. Aun así, destacó que esa pasión temprana fue formativa. “Cada tiempito que tenía agarraba la guitarra porque era lo que me gustaba”, dijo.

Actualmente, la música ocupa un lugar central en su vida laboral. “Hoy la música significa mucho de lo laboral, del oficio”, explicó. En ese sentido, detalló su tarea docente. “Trabajo dando clases de Historia de la Música, me encanta, pero no requiere tocar”, señaló, marcando una diferencia con el costado más artístico.

Lejos de renegar de su presente, Scalenghe expresó una expectativa a futuro. “Hoy me hallo más en la cuestión formal y laboral, pero ya va a tener su espacio nuevamente”, aseguró, en referencia a un regreso más pleno a la creación musical.

Al hablar de influencias, mencionó a Luis Alberto Spinetta, una figura clave en su formación. “Spinetta forma parte de lo que soy, muy adolescente también”, afirmó.

Incluso hoy, esa influencia sigue vigente. “Lo veo en mis alumnos adolescentes y digo que la historia se repite: Spinetta, como otros artistas, forma subjetividades adolescentes”, reflexionó.

El lanzamiento de How Did I Get Here?, el nuevo disco de Louis Tomlinson, marcó un punto de inflexión en su carrera solista. Con una lírica más introspectiva y un tono emocional profundo, el álbum dejó una canción en particular bajo la lupa de los fans: “Dark To Light”, un tema que muchos interpretaron como un homenaje a Liam Payne, su amigo y excompañero en One Direction, fallecido en octubre de 2024.

La teoría cobró fuerza por varios indicios. Uno de ellos es el título y la letra de la canción, que remite a un tatuaje que Payne llevaba en el pecho: “Here dark meets light”. Además, el estribillo despertó una fuerte identificación emocional entre los seguidores:“Ojalá pudieras verte a través de mis ojos solo una vez más / ¿Haría alguna diferencia? ¿Te sacaría una sonrisa? / ¿Podría traerte de la oscuridad a la luz?”.

Desde la prensa británica, el diario The Sun sostuvo que el tema funcionaría como una despedida simbólica, apoyándose en frases que reflejan culpa, impotencia y duelo. Tras la muerte de Payne, Tomlinson había reconocido públicamente que uno de sus mayores remordimientos era sentir que “siempre podía haber hecho algo más”.

Si bien las canciones admiten múltiples lecturas —y algunos oyentes interpretan la letra como el relato de una ruptura amorosa—, la coincidencia de símbolos y el contexto personal del artista llevaron a que gran parte del fandom la identifique como un tributo directo. Según trascendió, incluso la familia de Payne habría escuchado la canción antes de su publicación oficial.

En declaraciones difundidas junto al lanzamiento, Tomlinson definió el álbum como “el disco que siempre merecí hacer”. Aseguró que su principal motor creativo fue la honestidad y la necesidad de dejar de ser complaciente: “Por primera vez me permito ser el artista que siempre quise ser”, expresó.

El proceso creativo combinó aislamiento y búsqueda: comenzó en la campiña inglesa y continuó durante varias semanas en Santa Teresa, Costa Rica, junto a su colaborador y coproductor Nico Rebscher. Según el propio músico, el entorno fue clave para alcanzar el clima emocional que atraviesa todo el trabajo.

Sin confirmación explícita, pero con señales difíciles de ignorar, “Dark To Light” se transformó rápidamente en una de las canciones más comentadas del álbum, reavivando el lazo emocional entre Tomlinson, Payne y una generación de fans marcada por la historia de One Direction.

El barrio Amancay será escenario de una nueva edición de “Bailando bajo las estrellas”, un festival bailable al aire libre que va a reunir a vecinos y visitantes en una noche pensada para compartir música, encuentro y vida comunitaria. La propuesta se desarrollra este sábado desde las 21, sobre una calle lateral de la vecinal, especialmente cerrada al tránsito con autorización municipal para permitir el desarrollo del evento.

El presidente vecinal Daniel Demarchi explicó que la iniciativa se consolidó como un espacio cultural abierto y accesible. Señaló que se tratara de “bailes al aire libre, en la calle, utilizando una arteria poco transitada”, lo que permite montar un verdadero festival barrial con grupos musicales de distintos géneros. En esta edición, la grilla incluye cumbia, música bailable tradicional y la incorporación de folclore, con el objetivo de ampliar el público y atraer a vecinos que habitualmente no concurren a este tipo de encuentros.

Demarchi destacó que el evento contará con servicio de cantina, con comidas típicas como choripanes, pizzas y bebidas, y subrayó el carácter popular de la propuesta. La entrada tiene un valor de 10 mil pesos, un precio que definió como “muy módico”, al considerar que permitió a las familias acceder a una noche de música y esparcimiento. “Hoy no vas a ningún lado con ese dinero, por eso es una buena invitación a acercarse y pasar un buen momento”, sostuvo.

La organización dispuso sillas y tablones para el público, aunque también se permitió que los asistentes llevaran sus reposeras, con la única restricción de no ingresar conservadoras. Según remarcó el dirigente barrial, la idea fue generar un ambiente cómodo y familiar, donde distintos públicos pudieran convivir y disfrutar de una propuesta cultural diversa.

Más allá del evento, Demarchi aprovechó la ocasión para referirse a la actualidad institucional del barrio. Confirmó que en marzo se realizarán nuevamente elecciones vecinales y adelantó que volverá a postularse para un nuevo período. Fundamentó su decisión en el compromiso asumido con uno de los proyectos más importantes para Amancay: la llegada del gas natural.

Relató que el trabajo comenzó hace algunos años con reuniones informativas, recolección de firmas y gestiones ante Litoral Gas, desde donde recibieron el compromiso de que en 2026 se iniciaría el tendido de la red. En paralelo, señaló que los vecinos ya pueden avanzar con las adecuaciones internas en sus domicilios para estar en condiciones de conectarse cuando la obra se concrete. “Habrá que volver a golpear puertas para que no se olviden”, afirmó.

En materia de infraestructura, también destacó la incorporación de un nuevo complejo de duchas en la sede vecinal. La mejora respondió a la creciente demanda por el alquiler del espacio para eventos deportivos, especialmente encuentros de fútbol infantil. “La vecinal está preparada para recibir contingentes y ahora los chicos que nos visitan cuentan con mayor comodidad”, indicó.

Demarchi cerró con una definición que sintetizó el espíritu del trabajo barrial. Aseguró que Amancay “es un barrio que no se queda”, que sigue innovando y pensando en nuevas iniciativas para mejorar la calidad de vida de sus vecinos. 

La Mona Jiménez fue homenajeado este jueves por su inmensa trayectoria artística con la distinción “La leyenda del cuarteto”, otorgada por el directorio de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (Sadaic).

El reconocimiento llega después de 58 años de carrera, más de 100 discos editados y más de 1000 obras registradas, una producción que convirtió al artista en una figura fundamental para la música popular argentina y en un referente indiscutido del cuarteto.

Como parte del homenaje, Sadaic le entregó material histórico enmarcado: una copia certificada de su formulario de ingreso al organismo y de su primera obra registrada, “Baila Chiquita”, canción inscripta en 1972 y considerada el punto de partida de su vasto repertorio.

Jiménez, ícono de la cultura cordobesa, lleva más de medio siglo difundiendo el cuarteto y transformándolo en un movimiento reconocido a nivel mundial, manteniendo intacta su influencia en generaciones de músicos y seguidores.

Con una mezcla de entusiasmo, amistad y trabajo autogestivo, Loco Místico presentará oficialmente su primer disco, “Cuatrocientos”, este fin de semana en La Mula, uno de los escenarios independientes más activos de Rafaela. El álbum ya está disponible desde el 8 de noviembre en todas las plataformas digitales, y fue producido íntegramente por los propios integrantes de la banda.

“El disco lo venimos trabajando hace un año" , contó Franco Lizarraga, bajista y uno de los compositores. “Arrancamos en noviembre con la composición y la producción empezó en invierno, grabamos en el estudio de Ale Daniele, que es parte de la banda. Mezclado, masterizado. Todo en casa”.

Además de Franco y Alejandro, Loco Místico está integrado por Germán Drubich en guitarra, Luis Meinberg en voz principal y Juan, baterista de amplia trayectoria en bandas locales.

La génesis de “Cuatrocientos” fue natural y orgánica: “Nos sentamos un día con Ale y empezamos a arrastrar canciones que venían de hace rato, y a darles forma. Germi fue clave, porque él hizo lo que hoy es el homónimo de Loco Místico, una canción que empezó como una invocación musical”, recordó Franco.

Germán Drubich subrayó que uno de los valores del grupo es su diversidad de influencias y generaciones. “Hay una mezcla interesante. Hay una línea que sigue, pero todos venimos de palos distintos”, explicó. “Y eso hace que lo que sale sea algo fresco, algo nuevo, al menos para nosotros”.

Loco Místico es, en palabras de sus integrantes, un producto de la escena musical de Rafaela, una ciudad que vio pasar bandas como The Craft, The Painful Stage of Jimmy, Gaxi, Baratija y muchas otras que alimentaron el under local.

El show en La Mula será la oportunidad de escuchar por primera vez en vivo “Cuatrocientos”, un trabajo que no solo refleja el sonido de la banda, sino también su forma de hacer música: con amigos, con pasión y con identidad.

El Indio Solari sorprendió con un gesto de admiración hacia Lali Espósito, tras escuchar la versión que la cantante realizó de “Vencedores vencidos”, clásico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, durante uno de sus shows en el Estadio Vélez Sarsfield.

En una entrevista con FutuRock, el mítico músico argentino elogió el desempeño de la artista pop y reconoció su mérito artístico.

“Me cae simpática Lali. Se nota que no es producto de alguien que la promueve, sino que la piba vale artísticamente”, expresó Solari.

El autor de “Ji Ji Ji” también contó que prestó atención a la interpretación de Espósito y destacó su calidad escénica:

“Había una buena artista también, aunque cante otro género diferente”, afirmó, desmarcándose de los prejuicios que suelen dividir a los fanáticos del rock y el pop.

“Le preste atención a Lali y se nota que no es un producto de alguien que la promueve, sino que la piba vale artísticamente”El Indio, fan de Lali como vos y como yo. pic.twitter.com/JB7vw322eS

El Indio Solari incluso compartió un fragmento del show en sus redes sociales, gesto que fue leído por muchos como un símbolo de aprobación hacia la cantante. La versión de Lali había generado semanas de debate entre seguidores de ambos géneros, pero el reconocimiento del exlíder ricotero fue tomado como un respaldo definitivo.

Mientras tanto, Lali continúa atravesando uno de los momentos más exitosos de su carrera. Recientemente agotó su quinto show en Vélez en apenas 40 minutos, consolidando su poder de convocatoria y su presencia como una de las figuras más relevantes del pop argentino.

El comentario del Indio se suma al creciente reconocimiento que Lali recibe dentro y fuera del país, y confirma que su impacto trasciende las fronteras del género y alcanza incluso a los íconos del rock nacional.

Germán Vega, reconocido músico rafaelino, vive uno de los momentos más emotivos de su carrera. En las últimas horas lanzó oficialmente su nuevo tema “Fin a mi sufrir”, una canción que tiene un valor muy especial: fue la primera que compuso en su vida, cuando tenía tan solo 15 años.

“Estoy muy feliz, muy contento, porque largar algo compuesto por uno tiene un sabor distinto, una sensación diferente a hacer un cover”, expresó el artista. La canción fue estrenada junto con un videoclip y ya comenzó a recibir repercusiones positivas del público. “Menos de 24 horas después del estreno ya hay una linda repercusión, muchas cosas lindas, bonitas”, celebró Vega.

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Aunque hoy la canción llega al público con una producción cuidada, su historia se remonta a los inicios del artista. “‘Fin a mi sufrir’ es muy especial porque es la primera canción que compuse en mi vida. La hice en la habitación de mis viejos cuando tenía 15 o 16 años, y el mes pasado cumplí 31”, recordó Germán. “Cuando vi el videoclip terminado en mi casa no te voy a negar que me largué a llorar, porque se me vinieron infinidad de cosas a la mente”.

Por aquel entonces, Germán tocaba en la banda Los Bohemios. Aunque el tema fue grabado por el grupo, él ya no formaba parte cuando se editó el CD. “Ni siquiera salí en la foto del disco, pero la canción tuvo mucha difusión en Rafaela y hoy muchos me dicen: ‘che, ese tema lo conozco’. Muy pocos sabían que yo era el autor”.

Además del lanzamiento, Vega sigue trabajando intensamente en su carrera musical. Aunque reconoce que la cantidad de shows mensuales disminuyó respecto a años anteriores, afirma que “sigue habiendo trabajo todos los fines de semana” y que la agenda para los próximos meses está repleta.

“Ya tenemos fechas confirmadas para festivales muy grandes, incluso provinciales y nacionales. En septiembre vamos a regresar a Uruguay, a una localidad nueva. Eso me llena de alegría, porque si te llaman de un lugar al que nunca fuiste, es porque algo hiciste bien”, destacó.

Con más de 30 canciones compuestas y registradas en SADAIC, Germán Vega continúa apostando al crecimiento y la autenticidad. “Este tema no es uno más. Representa todo el camino recorrido, desde un adolescente que soñaba con la música hasta el artista que soy hoy”, reflexionó.

Marcelo Alejandro sigue consolidando su carrera artística y este mes presentó su más reciente videoclip: “Otro ocupa mi lugar”, grabado en el Hotel Amerian de Rafaela. El proyecto audiovisual, que contó con la dirección de Tomás Bertero y la participación de Nerea Warnke, ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

“Fue una alegría poder concretarlo. Estamos muy agradecidos a la gerencia del hotel por abrirnos sus puertas y permitirnos filmar en el cuarto piso”, expresó el cantante en diálogo con RADIO RAFAELA.

Con un extenso recorrido en el género melódico, Marcelo Alejandro continúa visitando escenarios con su tributo a José Luis Perales, al que definió como el único en su tipo a nivel nacional. “Siempre es muy bien recibido. En muchas salas a las que fuimos, al año siguiente nos vuelven a convocar para ver otra faceta del repertorio romántico”, explicó.

Además del tributo, el artista suma a sus presentaciones un repertorio que incluye clásicos de Dyango, Sergio Dalma y Roberto Carlos, entre otros, siempre en clave de balada romántica.

Tras varias actuaciones recientes en casinos y teatros de Córdoba, con un importante contrato con el área de Cultura de la provincia, Marcelo Alejandro se prepara para un recorrido que lo llevará por distintas localidades de la región. En agosto actuará en Tacural, y en septiembre será parte de la Fiesta de los Ravioles en Ramona. También volverá al Howard Johnson de Paraná, donde ya se presentó en 2024 con muy buena recepción del público.

“Estoy muy agradecido a la gente. No es un momento fácil desde lo económico, y que alguien tenga su pesito para ir a ver un show, para ir al teatro, se valora muchísimo. Por eso el agradecimiento siempre está presente”, concluyó.

Paulo Londra y Martina Quetglas están comprometidos. Luego de tres años de relación, el cantante cordobés le pidió casamiento a su novia en un escenario soñado: las playas de Ibiza, donde ambos se encuentran disfrutando de unas vacaciones.

La emotiva propuesta fue compartida por Martina en sus redes sociales, con un mensaje cargado de amor y gratitud: “Y no fue un viaje cualquiera, fue el viaje que siempre soñé, el que de pequeña veía que era el verdadero sueño de una mujer, o por lo menos el mío: decir ‘sí, quiero’”, escribió junto a un emoticón de anillo.

La influencer continuó su publicación agradeciendo a Paulo por su presencia en su vida: “Gracias por ser la mejor persona que me podía tocar, por cuidarme, por hacerme sentir segura y ser ese gran compañero que nunca pensé que me podía pasar, hasta que llegaste vos”.

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Y cerró con una declaración conmovedora: “Superaste todas mis expectativas y lo seguís haciendo. Sí quiero pasar toda la vida con vos, sí quiero, mi amor, mi Pau, mi persona favorita en este mundo. Vamos por todo”.

El autor de éxitos como Adán y Eva y Nublado también compartió sus sentimientos con un comentario lleno de ternura: “Te amo reina, sos la mujer de mi vida. Siempre juntos con Dios, intentando ser mejores todos los días. Te admiro y amo mucho”.

En las fotos publicadas, se puede ver a la pareja abrazada, con el anillo a la vista y un paisaje soñado de fondo, que selló uno de los momentos más importantes de sus vidas.

Todo comenzó cuando Victoria Almada, más conocida como Vocalissima, publicó un reel analizando la voz de Emilia Mernes y cuestionando el uso de autotune y el contenido de sus letras. Aunque aclaró que no la odia, se quejó de escucharlas siempre procesadas y reclamó que, si tiene alcance, debería transmitir “valores más profundos”

En menos de lo que canta un gallo, Cazzu apareció en los comentarios del video:

“Pero escuchá otra música, amor. Hay alrededor de 120 000 canciones nuevas todos los días y no son todas de Emilia.”

La artista no se quedó ahí. Instó a respetar la libertad creativa de Emilia:

“Dejen ser a las artistas lo que ellas quieran ser. Sean más piolas con las pibas que lo dieron todo por estar donde están‑o simplemente no las consuman.” 

Y lanzó una crítica directa a Vocalissima:

“Quizás debas aprender vos a buscar música nueva para tus videos de ‘docente de la música que hay que hacer’.”

La respuesta no cayó mal: la influencer dijo sentirse honrada por ser respondida por Cazzu, aunque mantuvo su postura crítica:

“Su comentario fue más en la línea de ‘hay mucha música, si no te gusta, escuchá otra cosa’. La respeto muchísimo… pero también creo que si algo me hace ruido, me parece válido cuestionarlo.” 

Ella enfatizó que su crítica apuntaba a las tendencias de la industria –no a Emilia en lo personal– y planteó la necesidad de debatir los contenidos del pop urbano

Soledad Pastorutti, la artista de Arequito que ha conquistado el corazón de millones con su carisma y música, dio un giro inesperado en sus redes sociales. Además de confirmar su participación en el programa "La Voz 2025", la cantante dejó a todos sorprendidos con un nuevo contenido en su cuenta de Instagram y TikTok.

En un breve video de menos de un minuto, Pastorutti relató la historia de uno de los temas más emblemáticos del folklore argentino: "Luna Cautiva", escrita por El Chango Rodríguez. La cantante se dedicó a compartir una de las historias más curiosas y conmovedoras de la música folklórica, invitando a sus seguidores a sumergirse en el pasado del folklore.

"¿Qué otra historia del folklore te gustaría conocer?", preguntó La Sole, inaugurando así una nueva sección en sus redes sociales donde se dedicará a explorar las historias de grandes canciones del género. Esta iniciativa la convierte, de manera informal, en "profesora" del folklore para sus millones de seguidores.

El relato detrás de "Luna Cautiva"El video comienza con una pregunta intrigante: "¿Sabías que una de las zambas más lindas del folklore argentino se hizo dentro de una cárcel?". Con esta frase, La Sole introdujo la historia de "Luna Cautiva", un tema que fue compuesto por El Chango Rodríguez mientras estaba en prisión.

A través de la canción, Rodríguez transformó una experiencia de sufrimiento en un legado musical. En el video, Pastorutti relató cómo el Chango soñaba que la luna, en su condición de "cautiva", representaba su libertad mientras él estaba tras las rejas. "Una licencia poética que se daba para lograr que sus días en la cárcel pasaran más rápido", expresó la cantante.

La vida del Chango RodríguezJosé Ignacio "Chango" Rodríguez fue un hombre marcado por una vida de éxitos y tragedias. A los 50 años, con una carrera consolidada en la música, el Chango fue condenado a 12 años de prisión tras un trágico incidente. Durante una fiesta, Rodríguez disparó y mató a Juan "Loro" Álvarez, el hombre que cuidaba sus caballos. Aunque en principio se alegó que fue un accidente, la justicia consideró que el acto fue premeditado.

Fue en prisión, durante esos años de encierro, donde Rodríguez escribió la emblemática "Luna Cautiva". Después de cuatro años tras las rejas, fue indultado por el dictador Juan Carlos Onganía y recuperó su libertad. La zamba escrita en ese tiempo se convirtió en un clásico del folklore, llevando consigo la historia de su creador y la transformación de su sufrimiento en arte.

Este viernes, la banda sunchalense “Rey Cuervo” realizará en Rafaela la presentación oficial de su nuevo disco titulado “Dos”, que fue lanzado recientemente y ya empieza a resonar en la escena local y regional.

Germán Paoltroni y Pablo Tornavasio, integrantes del grupo, dialogaron con Radio Rafaela para contar detalles de este trabajo y su propuesta musical.

“‘Dos’ es el segundo disco que hacemos. Tiene nueve canciones que siguen la línea del rock clásico pero explorando distintas influencias”, explicó Germán. Y agregó que tien una duración aproximada de 40 minutos.

La música se enmarca en un recorrido que abarca desde los años 70 hasta los 90, con una fuerte impronta de rock clásico, pero sin perder frescura ni actualidad. “Priorizar la composición de canciones y las letras es clave para nosotros. Se trabaja mucho para que la música y el mensaje estén en sintonía”, agregó Pablo.

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El proceso creativo es colectivo. “Generalmente alguien trae una idea, ya sea Pini o Germán, y el resto aporta para moldearla y darle forma”, comentó Pablo. El grupo cuida cada detalle para que cada canción refleje tanto el sonido como la letra con autenticidad.

Aunque la banda es oriunda de la provincia de Sunchales, busca acercar su música a diferentes localidades de la región. Rafaela será una parada clave en la gira, junto con presentaciones anteriores en Santa Fe Capital, San Guillermo y Sunchales.

Por este lado, la cita es en el Bar “La Mula” desde las 22:00hs, con entrada libre y gratuita.

“Nos movemos dentro de un radio que abarca la zona, porque queremos tocar en escenarios posibles y también mantener la cercanía con nuestro público”, destacó Germán.

María Becerra anunció su esperado regreso a los escenarios con una presentación programada para el 6 de julio en el Festival Latino de Milán, marcando así un nuevo comienzo en su carrera tras una etapa de profundo impacto personal.

La noticia fue confirmada por la cuenta oficial del Festival Latino de Milán y replicada por la propia María en sus redes sociales. La presentación tendrá lugar en el Live Arena de Milán, en el marco de un evento que reunirá a grandes figuras de la música latina como Prince Royce, Ozuna, Gloria Trevi, Cristian Castro, Vilma Palma e Vampiros y Erreway.

El festival se llevará a cabo entre el 12 de junio y el 10 de agosto, y el show de Becerra está previsto para el domingo 6 de julio.

Este regreso marca un punto de inflexión en la carrera de la artista, no solo por la magnitud del evento, sino por la carga emocional que conlleva. María Becerra había alarmado a sus fanáticos semanas atrás cuando se conoció que debió ser internada de urgencia.

Si bien no se detallaron públicamente las causas exactas, sí trascendió que se trató de una situación compleja que requirió reposo absoluto y asistencia médica.

Durante las semanas posteriores a su internación, la artista atravesó una recuperación física y emocional acompañada por una enorme muestra de cariño por parte de sus seguidores. Este apoyo incondicional de sus fans y el acompañamiento cercano de su pareja fueron clave en este proceso.

Tal como expresó en sus redes, el vínculo con sus seres queridos fue fundamental para sanar, recuperar fuerzas y reconectar con lo que la inspira.

Además, Becerra encontró refugio en la pintura, una actividad que compartió activamente con sus seguidores a través de videos y publicaciones. “El arte me ayudó a reencontrarme conmigo misma”, escribió en una de sus historias de Instagram.

Esta faceta creativa, desconocida para muchos, mostró una nueva dimensión de la cantante, alejada del ritmo frenético de los escenarios pero igualmente apasionada.

Más allá del esperado show en Italia, el entorno de la artista deslizó que se está trabajando en una gira internacional que podría comenzar antes de fin de año. Si bien aún no hay fechas oficiales, se especula con que incluiría presentaciones en América Latina y Europa, con un repertorio renovado y nuevas colaboraciones.

El regreso de María Becerra no solo es una buena noticia para sus fans, sino también un símbolo de superación personal. La artista, una de las más importantes del género urbano latino, demuestra que la pausa obligada lejos del escenario también puede transformarse en una oportunidad para crecer y reinventarse.

La presentación de María Becerra en el Festival Latino de Milán no solo marca su regreso a los escenarios, sino también simboliza una etapa de renovación y fortaleza personal. Este evento se perfila como un hito en su carrera, reflejando su resiliencia y el apoyo incondicional de sus seguidores.

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El corredor del Complejo Cultural del Viejo Mercado volvió a poner en escena a pequeñas formaciones integradas por músicos de la ciudad, en el ciclo “Viejo Mercado en vivo", con un cálido acompañamiento del público rafaelino.La segunda fecha será este viernes 9 de mayo a partir de las 20:30 con las actuaciones de Malena Bettello y Guillermo Scalenghe y el trío Tosello - Duverne - Yossen.En primer lugar se presentará el dúo integrado por Malena Bettello (voz) y Guillermo Scalenghe (piano). En esta ocasión interpretarán un repertorio integrado por algunas canciones de raíz folklórica, como zamba, huayno, baguala, y otras pertenecientes al género musical urbano-popular (tango, vals). Todas ellas compuestas por reconocidos y destacados autores argentinos.

Posteriormente actuará el trío integrado por Diego Tosello en guitarra y voz, Claudio Duverne en piano y Melania Yossen en violín. Presentarán un abanico de  temas de los mejores autores y compositores argentinos que se destacan por su profundidad poética y su alto vuelo musical: folklore, tango, rock nacional, canciones de la trova rosarina y de autores contemporáneos, trabajados con una sonoridad particular y una cuidada interpretación desde lo instrumental.

Cabe recordar que el espacio estará ambientado con mesas y sillas para disfrutar del evento musical, acompañado del servicio de cantina a cargo de El Mercadito del Ceibo.La última fecha del ciclo será el viernes 16 de mayo. La entrada es libre y gratuita.

Después de enfrentar varios problemas de salud, tanto físicos como mentales, María Becerra ha encontrado una nueva manera de conectar con su público. Si bien la cantante había anunciado previamente que su colaboración con Paulo Londra, "Ramen para dos", se retrasaba debido a su situación, hace pocos días sorprendió a todos con una publicación en sus redes sociales.

La publicación, que sirvió tanto para promocionar su próximo lanzamiento musical como para revelar un aspecto personal, fue un mensaje largo y emotivo. María compartió su experiencia en estos días difíciles, diciendo que había estado pintando mucho para procesar sus pensamientos. En la misma publicación, la cantante mostró una pintura que hizo inspirada en su nueva canción y expresó su alegría por el lanzamiento: “Es un rayito de sol en medio de esta neblina que a veces aparece y desaparece”, comentó.

Un nuevo espacio para su arteLo más sorprendente llegó al final del mensaje: María Becerra anunció la creación de una nueva cuenta de Instagram dedicada a sus pasiones fuera de la música. "Me hice esta cuenta para mostrarles lo que hago cuando no estoy cantando", escribió en su publicación. La nueva cuenta de la cantante está orientada a su amor por el arte, como la pintura, cerámica, bordado y otras actividades creativas que hasta ahora no había compartido en sus redes.

La cuenta, llamada "Acá me expreso diferente", ya tiene más de 100.000 seguidores en solo dos horas, a pesar de que no tiene publicaciones. En la biografía, la cantante se presenta como una artista polifacética: “Hola, soy María Becerra. Esta es la cuenta en donde me expreso de otras formas. Me gusta pintar, hacer cerámica, tejer, bordar, y muchas cosas más”.

Un nuevo comienzo para María BecerraEste paso representa un nuevo comienzo para María Becerra, que ha decidido compartir con sus seguidores una faceta más íntima y personal. Lejos del escenario y la música, la cantante mostrará otra parte de sí misma a través de su arte. Esto no solo le permitirá mantenerse conectada con sus fans, sino que también abre la puerta a nuevas experiencias y proyectos.

Este miércoles 30 de abril, en la víspera del Día del Trabajador, la Secretaría de Educación y Cultura de la Municipalidad de Rafaela dio inicio a una nueva edición del ciclo Viejo Mercado en vivo, un espacio para disfrutar de la música a cargo de pequeñas formaciones integradas por artistas de la ciudad.

Al igual que en otras ediciones, el corredor principal del CCVM estuvo ambientado con mesas y sillas para disfrutar del evento musical, acompañado del servicio de cantina de El Mercadito de El Ceibo.Esta primera fecha contó con las actuaciones de Maxi Eschbach y Pocket Jazz.

En primer lugar, Maxi Eschbach, estuvo presentando un repertorio de canciones propias y algunos covers del rock nacional y de autores latinoamericanos, reversionados con su propio estilo y visión.

Posteriormente el trío Pocket Jazz, integrado por María Belén Balari en saxo, Emanuel Stampanone en guitarra y Ana Clara Piovessano en voz, cerró la noche con un repertorio clásico y moderno desde un enfoque innovador, siempre dejando un espacio para la improvisación, elemento fundamental del género.

Las próximas fechas del ciclo serán los viernes 9 y 16 de mayo. La entrada es libre y gratuita.

Ricardo Arjona sigue profundizando en su más reciente obra, "Seco", el álbum lanzado en enero de este año que marca un recorrido intimista y reflexivo por su vida, ideología y visión del mundo actual. Ahora, el músico presenta nuevas versiones acústicas de los temas incluidos en ese trabajo, en un formato que resalta aún más la esencia de sus letras y melodías.

El proyecto incluye 11 videos grabados en el Adrienne Arsht Center de Miami, donde Arjona se muestra en un teatro vacío, acompañado únicamente por sus músicos y sus instrumentos. Las versiones acústicas serán publicadas semanalmente, cada lunes y viernes, a través de su canal oficial de YouTube.

Hasta el momento, ya se encuentran disponibles las reinterpretaciones de “70%”, “Barcelona” y “Poquita Fe”, mientras que en las próximas semanas se sumarán otros temas como “Mujer”, “Gritas”, “Luna” y “Despacio que hay prisa”.

Los clips combinan la crudeza de las actuaciones en vivo con imágenes adicionales al estilo videoclip, reforzando la narrativa de cada canción.

Como parte de esta propuesta, Arjona lanzó recientemente el videoclip de “70%”, una de las baladas más emotivas del álbum.Rodado en blanco y negro en la Ciudad de México y dirigido por Ricardo Calderón, el video presenta un enfoque conceptual y minimalista, protagonizado por el propio Arjona. El estribillo, “Soy de 70% de agua y me muero de sed”, sintetiza las carencias existenciales y la necesidad de reconectar con lo esencial.

“70%” se suma así a la tendencia visual del proyecto Seco, donde predominan los clips en blanco y negro y las referencias cinematográficas. Incluso el videoclip de “Mujer” —próximo a estrenarse— contará con la participación especial de la hija de Arjona.

"Seco" ya acumula más de 100 millones de visualizaciones en YouTube y representa, en palabras del propio Arjona, "una exploración profundamente personal y honesta, con un estilo que trasciende convencionalismos".

A lo largo de sus nuevas propuestas, el guatemalteco apuesta por alejarse de las tendencias comerciales actuales, privilegiando el sonido despojado y la poesía en sus letras.